los mejores álbumes del año 2026 según the quietus & norman records

01. Microplásticos MPTL: césped en el cielo
02. Francia – Buenos pensamientos, malos pensamientos
03. Guttersnipe – ¡Explosión de extinción!
04. Squarepusher – Kammerkonzert
05. Nuhara – Rama
06. Luz tranquila – Ángel azul brillante plata 2
07. Tara Clerkin Trio – Somewhere Good
08. Simo Cell y Abdullah Miniawy – Morir es el Internet
09. Wendy Eisenberg – Wendy Eisenberg
10.The Heads – Tu lugar bonito se va al infierno
11. Guiones bajos – U
12. Mi nueva banda cree – Mi nueva banda cree
13. Juntas de Canadá – Infierno
14. Una pierna, un ojo – Anciana
15. Cocanha – Flame Folclòre
16. Niños Sordos – Cicatrizes Do Futuro
17. Sunn O))) – Sunn O)))
18. Bill Orcutt y Mabe Fratti – Casi despertando
19. Limpieza en seco – Amor secreto
20. PVA – No más como este
21. Xaviersobased – Xavier
22. Señores de los caballos: ¡Exigen ser llevados vivos al cielo!
23. Hyper Gal – Nuestra Hiper
24. ABADIR – El Primitivista
25. Josué Chuquimia Crampton – Anata
26. Feto – Alto
27. EarthBall – Música de la Tierra real: Volumen 3 y 4
28. Gnod – Crónicas de Gnowt (Vol.1)
29. Construye edificios x Molly Gochman – Continuum
30. Pistola de clavos YHWH – Revista
31. Irmin Schmidt – Réquiem
32. Bergrún Snæbjörnsdóttir – Buscapiel
33. Espectáculo secundario – Funk de Tigray
34. Neurosis: Un amor eterno por un mundo en llamas.
35. Juni Habel – Siempre verde en tu mente
36. Kristen Gallerneaux – Día de la Vida
37. Unión de Malas Madres – Malas Perdedoras
38. K Wata – Dame espacio
39. FRANTX – IDUTYDU
40. Pat Thomas & XT – Strata, Act (Joy Contemporary)*
41. Kim Gordon – REPRODUCIRME
42. Por tormenta – Mis fantasmas se vuelven fantasma
43. Remy Solar – Terreno Pesado
44. Zahn – Purpur
45. Dialecto – Serpiente completa
46. Aja Ireland – Boca de muda
47. Kartas – Lado H
48. Phillip Golub – Barco partisano
49. Converge – El amor no es suficiente
50. Polvo falso: el estruendo decadente del psióptico cerebral
51. Bara & Isa – EP de primavera
52. Ugne&maria – Zotasphere
53. Lea Bertucci – Los días pasan rápidamente Inmersa en la sombra de la eternidad
54. Bong Voyage – Hard Rock Hedonista
55. Hey Colossus – El cielo era salvaje
56. Faucheuse – Como un poignard
57. Mark Jenkin – Rose Of Nevada (Banda sonora original)
58. Señor Jah-Monte Ogbon – Hasta el momento
59. Las Femcels – Tengo que ponerme más guapa
60. Gallina Ogledd - Desconcertada
61. Abigail Caracol – Bermas Rad
62. Jake Muir – Pareidolia
63. Génesis Owusu – Redstar Wu y la Plaga Mundial
64. Tashi Dorji – Nubes bajas se ciernen, esta tierra está en llamas
65. Calacas – Ten Tiger Trax
66. Quentin Tolimieri – Monocromos II
67. Lb Honne – Vigilante de guardia (Parte I)
68. Bill Orcutt – Música en movimiento continuo
69. Joanna Duda – Regina Silva
70. La dulce verdad rosa: ¿Pueden durar para siempre estos tiempos tan maravillosos?
71. Instar Sling – Instar Sling
72. Más Eaze – Estructura de la oración en el país
73. Harry Styles – Kiss All The Time. Disco, Occasionally
74. Bono / Burattini – Ora Sono Un Lago
75. Cambio críptico: Overspace y Supertiempo
76. Pugilista – Sonido encontrado
77. Charli xcx – Cumbres Borrascosas
78. Los Melvins con Napalm Death – Marcha de la Muerte Imperial Salvaje
79. Olivia Rodrigo – Pareces bastante triste para ser una chica tan enamorada.
80. Skintern – Uso gratuito
81. Delphine Dora – La inéluctable pulsación del tiempo
82. Gelbart – Gelbart-TK-745
83. Piernas sobre ruedas – Gobble
84. E El Artista – Seis
85. Cobra – Desgarrado
86. Hoavi – Arquitectónica
87. Caterina Barbieri y Bendik Giske - En la fuente
88. Shane Parish – Guitarra Autechre
89. Xilitol – Fantasía floral
90. Starker – LTD Vol. 1: North Face Nace
91. Nine Inch Nails y Boys Noize – Nine Inch Noize
92. ADULTO. – Despidiéndose de la suerte
93. The Messthetics y James Brandon Lewis – Desfigurar la moneda
94. Fire-Toolz – Redes Lavender
95. Niikkolahs – Áreas de ventanas
96. Accident Fantôme – Objets Enchâssés Dans Un Anneau Planétaire
97. Thurston Moore • Bonner Kramer – Llegaron como golondrinas (Siete réquiems para los niños de Gaza)
98. TOMO – La rueda de la vida
99. Bela – Sonetos de amor coreanos
100. Serokolo 7 – Maramfa Musick Pro

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strange fruit

Extraña fruta colgando de los álamos 

Escena pastoral del galante sur
Los ojos abultados y la boca retorcida
Aroma de magnolias, dulce y fresco
Entonces el repentino olor a carne quemada

Aquí hay fruta para que los cuervos devoren
Para que la lluvia los junte, para que el viento los seque
Para que el sol los pudra, para que caigan de los árboles
Aquí hay una cosecha extraña y amarga

Letra de la canción de Billie Holiday de 1939: Strange Fruit. 

Estaba basada en un poema del maestro Abel Meeropol 

inspirado por la fotografía real del linchamiento de Thomas Shipp 

y Abram Smith en Indiana, en 1930. La letra describía los cuerpos 

de personas afroamericanas colgando de los árboles.

copia de copia

    "Sex and Drugs and Rock and Roll" comenzó como una leve amonestación y terminó como un himno encantador. Hubo un tiempo en el que me cansé de ello, pero consiguió un nuevo comienzo de la vida. Cuando Jankel y yo escribimos esta canción, robamos el riff de un solo de bajo de Charlie Haden en un álbum de Ornette Coleman de 1960 llamado "Change Of The Century". Conocí a Charlie Haden más tarde y me dijo que también había robado el riff, ¡de una melodía folclórica cajún! Fue prohibido por la BBC cuando lo lanzamos como single, pero vendió alrededor de 18.000 copias. Con esta canción estaba tratando de sugerir que había más en la vida que cualquiera de esas tres cosas, sexo, drogas y rock and roll, o tirar de una palanca todo el día en una fábrica.—Ian Dury

music for gaza with love

For Gaza With Love Vol.1 es una nueva y bien elaborada recopilación benéfica que incluye artistas tan diversos como Richard Dawson, Belle & Sebastian y Pefkin, alias Gayle Brogan (cuyo himnario, "Premonitions", de lenta evolución, ya vale la entrada). Y eso sin hablar de la causa. Comisariada por el músico y compositor residente en Yorkshire, Aby Vulliamy, quien también colabora con la conmovedora y reflexiva "Because of Us", la colección busca recaudar fondos para la Academia PalMed en Gaza, una organización que busca mejorar la calidad de la atención médica para los palestinos mediante la formación y la educación. Enfrentada a una clara crisis existencial en una franja de tierra donde la mayoría de sus hospitales han sido dañados o destruidos en los últimos veintiún meses, necesita toda la ayuda posible.

El disco se lanzó el 18 de julio. Lo puedes combrar en formato digital o compactdisc AQUÍ.

El Volumen 2 se lanzará el 13 de agosto.

bandCamp

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el café central cierra

"Como ya ha sido publicado en diferentes medios, nos vemos obligados a decir adiós (de momento) al Café Central. El próximo 12 de octubre será el último día tras 43 años de historia, más de 14.000 conciertos y un millón de espectadores.
A pesar de nuestros continuos esfuerzos, la decisión se produce tras la negativa de la propiedad del inmueble a renovar el contrato de alquiler.
Como bien sabéis, por el Café Central han pasado figuras míticas del jazz nacional e internacional, creando un espacio que ya forma parte de la historia cultural de Madrid y del que estamos profundamente orgullosos.
Como Madrid no puede quedarse sin su Central, desde el café seguimos empeñados en encontrar un nuevo hogar. Por eso hacemos un llamamiento a propuestas del público y empresarios.
Hasta el cierre habrá una programación especial para celebrar su legado y llenar el local de vida y música una última vez".



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cómo construir un silbato

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las tripas sobre la mesa

Concierto de Pascal Comelade en el Teatro Bartrina, Reus, en 2006.

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notas en un concierto para órgano

Resulta que entre las piezas de la colección del Museo Arqueológico de la Edad Moderna existe un pequeño órgano portátil de 1728, fabricado por Pedro Echevarría, que se usaba para las procesiones religiosas y que recibe el nombre de órgano realejo. Los domingos por la mañana algunos concertistas lo tocan para un número limitado de personas en las Salas Nobles. Y no solo lo tocan, nos explican cómo funciona y nos enseñan los tubos que emiten el sonido en su interior. El domingo pasado tuve la suerte de oír este antiguo instrumento. tocado por Alberto Sáez Puente, de la Sociedad Coral de Bilbao y profesor de Bachilerato de artes escénicas de Cantabria, con piezas antiguas y también de este siglo. A la vez dibujé estas notas.

hojeando las cantigas

    Si visitas el Museo del Prado, en la exposición denominada El espejo perdido. Judíos y Conversos en la España Medieval encontrarás el manuscrito medieval llamado Códice Rico abierto por una de sus páginas en que muestra una de las Cantigas de Santa María, encargadas por Alfonso X el Sabio. A la izquierda las partituras y la letra, y a la derecha una explicación visual al modo de los cómics. Es una de las joyas medievales de Patrimonio Nacional prestada para esta ocasión, y que podrá visitarse hasta el 14 de enero de 2024. Patrimonio Nacional y el Museo Nacional del Prado tienen una vinculación especial, reforzada por el origen común de sus colecciones, que favorece esta clase de colaboraciones, comenta Leticia Ruiz, directora de Colecciones Reales de Patrimonio Nacional. 

    Las Cantigas de Santa María contienen más de 400 leyendas sobre los milagros de la Virgen de distinta procedencia, con fuentes literarias europeas e hispanas. Reflejan todo tipo de realidades de la vida cotidiana, de personas y de situaciones, y eso las convierte en una fuente de información esencial sobre la vida cotidiana en el siglo XIII. Estas Cantigas se encuentran en el Códice Rico, llamado así porque es el único que en cada cantiga combina el texto en verso, música y un montón de deliciosas imágenes, y el Códice de los músicos. Los dos manuscritos de las Cantigas de Santa María que custodia Patrimonio Nacional son parte de los fondos de la Real Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

    El Códice Rico comenzó a gestarse en Sevilla hacia 1279, a juzgar por los datos cronológicos que nos proporcionan algunos de sus poemas, así como algunas de sus referencias estilísticas. Todas las composiciones se vieron enriquecidas por un folio iluminado, dividido en seis viñetas en las que se desarrolla el contenido del poema en imágenes, y, en el caso de las cantigas cuya numeración coincide con el número 5, un número de fuerte simbología mariana, se duplica el registro visual al disponer de dos folios, doce viñetas, para narrar en imágenes el milagro.

    Naturalmente, en esta exposición, y en cualquier otra que se hiciera, no podrás hojearlas; pero Patrimonio Nacional y la Real Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo del Escorial lo tienen digitalizado. Podrás, por tanto, pasar una a una sus páginas y regodearte en ellas AQUÍ. En la expo del Museo del Prado también podremos ver algunas de las páginas digitalizadas del Códice de los Músicos. En su Instagram nos explican, como ejemplo, la tercera cantiga.

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una cita con los sonidos ancestrales de pepe moltó

Pepe Moltó, afinador de instrumentos de tecla y constructor de instrumentos de música populares de tradición oral y de juguetes sonoros populares también de tradición oral, el jueves 16 de marzo, a las 19 horas, impartirá una conferencia ilustrada con el título: El sonido de la Prehistoria y su continuidad en las culturas tribales, en la Biblioteca Musical del Centro Cultural Conde Duque, de Madrid.

La entrada será libre hasta completar el aforo.

PepeMoltóWebOficial

¿quién está loco?

vienna

En la Estación Pit siempre un xuco tocaba en el pasillo verde. Violandis, flauteros o fonos ponían el casco en las planchas de acero ocultando su gesto avergonzado entre los andrajos de sus piernas. Aquella noche habían escrito te hecho de menos con spray negro. Yo le pegaba patadas a un viejo chip de un hp 4005 y me sentía impotente y deprimido, con un presentimiento agobiante de que aquella gente igual y las grandes columnas de las celdas me caerían encima como un bloque de titanio. Me tomé el último B2 y me senté en un clinin. Los críos hacían rabiar a los más pequeños. Jugaban a aniquilamientos cerebrales con pistolas de vidrio ligero, y se desacoplaban de risa cuando un invidente chocó con la señal de pista. Los transeúntes seguían las indicaciones como robots. Estaba agarrotado de miedo y, otra vez, la bolsa de aire me vació los intestinos. Me sentí 99 y derrotado. Mi ojo de cristal supuró un líquido transparente. ¿Quién era yo tan extraño en un mundo de cables? ¿Qué había sido de Vienna?

Mis dedos temblorosos buscaron el botón rojo del estallido. 

Dibujo y texto encontrados en un viejo cuaderno de una estancia en el Hospital Provincial de Mestre en los años ochenta; seguramente que oyendo Vienna de Ultravox Antes de quemarlo, lo rescato.

Vienna de Ultravox en YouTube

Videoclip Oficial Vienna

pascal comelade en concierto de juguetes

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playlist del pop psicodélico de los sesenta para oír en el sillón del podólogo

Joseph Lanza es un tipo raro que ha escrito numerosos libros sobre distintos aspectos en el límite de la cultura popular, como la historia de cantantes olvidados, directores de cine obsesivos o extraños cócteles. Su último libro, Easy Listening Acid Trip: An Elevator Ride through Sixties Psychedelic Pop (Feral House) cubre un género musical que la mayoría de la gente ni siquiera tiene idea de que existió: el pop psicodélico.

Esta playlist nos acerca a él sin la necesidad de consumo. Propone una forma fácil de subir para neófitos: la versión orquestada de éxitos. Esta forma desnaturalizada, violines y trompetas con guau-guaus de guitarras eléctricas, para oír en segundo plano, de bajo precio y accesible en gasolineras, puede ser divertida vista en perspectiva. También fue una forma de llevar a las masas la cultura del LSD, como hiciera Roger Corman con su peli del 67 The Trip.

El término "música de ascensor" ha acumulado connotaciones peyorativas, pero en última instancia es un término positivo. Es música que, como un ascensor, flota en el aire, a menudo entre destinos: aeropuertos, vestíbulos de hoteles y centros comerciales. Y desencadena emociones a veces ambiguas. A finales de los años 40, Muzak y Otis Elevator Company publicaron un anuncio en la revista Time, mostrando felices a los pasajeros del ascensor y promocionando cómo, gracias a "Music by Muzak", "las preocupaciones del día laboral ahora se dejan llevar por las notas de una melodía cadenciosa". Esto le da al término un contexto histórico. Y a finales de los sesenta, en el apogeo de la "contracultura" y la violencia política, melodías fáciles de escuchar como "Love is Blue" de Paul Mauriat sonaban en las mismas 40 estaciones que también tocaban Doors y Jefferson Airplane. 

Estos argumentos podrás leer en la entrevista que Richard Metzger hace a Lanza en el blog de Dangerous Minds, cuyo enlace te dará acceso a su playlist.

Dangerous Minds

aquel vagabundo y tom waits cantan juntos a un dios

Jesus 'Blood Never Failed Me Yet de Gavin Bryars toma un fragmento de audio rechazado de un proyecto cinematográfico sobre gente que vive en Londres y lo convierte en una obra de anhelo metafísico. Muchos de los vagabundos que el cineasta Alan Power estaba documentando en el distrito de Elephant and Castle en el sur de Londres cantaron fragmentos medio recordados de canciones populares, baladas sentimentales, fragmentos de ópera. Solo uno estaba sobrio. Era un hombre mayor, por lo que todos recuerdan, porque solo sobrevivió una grabación de 26 segundos de él cantando, con una afinación impresionantemente consistente, un fragmento de lo que suena como un antiguo himno evangélico, “La sangre de Jesús nunca jamás me falló… ”

Bryars había estado trabajando con Power como mezclador y editor, así que no conoció al cantante original. A modo de agradecimiento, Power le dio algunas de las cintas. Bryars se sintió inmediatamente intrigado por las palabras y la melodía de Jesus 'Blood, y se sintió atraído por la voz, que tiene una cualidad casi entrenada, bellamente expresada y con un tono consistente. Bryars hizo un loop de 13 compases y, reconociendo que su piano estaba a tono con el cantante, comenzó a trabajar en la armonización. Hizo un arreglo de acordes simple, que en versiones posteriores se ha convertido en un rico sonido de conjunto con cuerdas y metales, ponderado en el extremo inferior de la escala armónica. Bryars en ese momento estaba enseñando en Leicester Polytechnic y pudo hacer uso de un pequeño estudio de sonido allí. Para conservar el delicado original, lo grabó en una segunda máquina, dejando el bucle funcionando mientras iba a buscar un café. Cuando regresó, descubrió que los estudiantes de pintura de las distintas salas del estudio se habían quedado en silencio y escuchaban sombríamente la voz del anciano. Alguien lloraba en un rincón. Es un efecto que la audiencia ha estado experimentando desde entonces.

Bryars reconoció entonces que tenía que tratar el material con respeto, comenzando con un intento de descubrir la procedencia del cantante y la música. Sin embargo, no apareció ni rastro del himno ni del hombre que lo cantó. Los editores de Bryars registraron los archivos con la esperanza de encontrar un texto publicado, pero fue en vano. Nunca apareció rastro del himno, ni del hombre que lo cantó. 

Lo que hace que "la sangre de Jesús nunca me falte" un tesoro tan duradero es que, a través de él, un anciano sin nombre continúa viviendo, tan vívida y estoicamente como uno de los sin techo de Samuel Beckett  a su vez los herederos de Chaplin y Buster Keaton. Él es la confirmación del entendimiento de Beckett de que “las lágrimas del mundo son una cualidad constante. Por cada uno que comienza a llorar, alguien en algún otro lugar se detiene". 

Esta canción ha permanecido en el repertorio de actuaciones de Bryars hasta ahora. Originalmente ocupaba una cara de un LP , y luego en una nueva versión en CD de más de una hora. También como single, con la voz original doblada de Tom Waits. Con cada iteración, la pieza evoluciona, pero nunca pierde el profundo poder emocional de su material original.

YouTube con Tom Waits

TheGuardian

satie on line

Hoy, de las 21,00 a las22,00 horas, Patricia Escudero y Luis Delgado reinterpretarán en La Casa Encendida los temas de Erik Satie editados en su vinilo "Satie Sonneries" en 1987. Más de tres décadas después, y con motivo de su reedición, sus intérpretes revisan el repertorio utilizando las tecnologías actuales para ofrecer una visión nueva de aquella producción.

El sonido del piano clásico de Patricia Escudero se suma a los sintetizadores utilizados para la producción original de los años 80 y a los timbres digitales de la guitarra de Luis Delgado; todo ello imbricado a la perfección con los pentagramas de Satie y acompañado de las imágenes del París de principios del siglo XIX y retazos de la vida del compositor. No son muchos los músicos que se han aventurado a trabajar este repertorio desde la electrónica y, menos aún, llevarlo al directo. Inspirándose en el trabajo de este artista, Luis propuso a Patricia la grabación de obras de este compositor secuenciadas con los teclados más avanzados de 1986 y que se materializó al año siguiente en el disco Satie Sonneries, editado por El Cometa de Madrid. El pasado año, más de tres décadas después, el disco es reeditado por el sello Equilibrio y es redescubierto por una joven generación interesada en los sonidos de vanguardia. Este interés lleva a Patricia y Luis a revisar el repertorio utilizando las tecnologías actuales para ofrecer una visión nueva de aquella producción.

Patricia Escudero se trasladó a Madrid a finales de los 70, donde finalizó sus estudios musicales de piano, clave y música de cámara. Durante esos años realiza una intensa actividad como solista y forma parte de las agrupaciones musicales más relevantes del momento con las que da conciertos y giras, tanto por España como por Europa. Su interés por todo lo que tiene que ver con la evolución de los instrumentos de tecla a lo largo de la historia, desde los planteamientos historicistas a la música de vanguardia, propicia la colaboración con Luis Delgado.

Luis Delgado es un reconocido intérprete y autor desde 1970, con una larga, impresionante y singular trayectoria tanto en solitario como trabajando en numerosos grupos. Se dedica a la música antigua y medieval mientras forma parte de Mecánica Popular junto a Eugenio Muñoz, pioneros y nombre de culto dentro de la electrónica española.

El concierto tiene lugar en el Auditorio y se puede seguir vía streaming, el vídeo está disponible un mes.

LaCasaEncendida

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lo próximo de cabaret voltaire

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lucrecia dalt se disuelve

“Construyo mucho trasfondo conceptual para mi música… estoy leyendo, estoy estudiando, estoy pensando en todas estas cosas y toda esta información me hace tener cierta actitud ante la vida, un enfoque ético…” - Lucrecia Dalt en una entrevista con Resident Advisor, 2018

La música de la productora colombiana afincada en Berlín Lucrecia Dalt tiene un marco de intensa investigación. Similar en amplitud y contenido a los gustos de Laurie Anderson, Cosey Fanni Tutti o Björk, cada lanzamiento se compone de componentes electrónicos intrincadamente tejidos, que a menudo incorporan elementos de la palabra hablada y el pop alternativo. Dalt se sumerge en una serie exhaustiva de temas que incluyen el cambio climático, el cine de la nueva ola alemana y las nociones lacanianas del yo.

Su séptimo álbum "No era sólida" explora la idea de disolver; derritiendo fronteras y convirtiéndose en otra persona. Un personaje de ficción llamado 'Lia' narra a medias el disco. Canta en un idioma inventado, una glosolalia entre el inglés y el español. Su voz lo-fi de doble pista se rompió en fragmentos de aliento y palabras sin sentido.

La identidad musical de Dalt tiene sus raíces en la música electrónica de baile. El pesado sonido de la escena techno underground de Medellín, donde emergió como productora, está presente en el sencillo principal "Disuelta" en el que los sintetizadores giran mecánicamente. Pero entre las fuertes inflexiones rítmicas, hay chillidos desconcertantes y ruidos inhumanos. A veces, el disco se siente a medio formar y frágil. En "Espera", la melodía se concentra, su tempo se mueve mecánicamente hacia adelante y hacia atrás. Es en este espacio de gestación del “devenir”, ni uno ni otro, sino ambos a la vez, donde se desenvuelve este álbum.

La experiencia de Dalt como ingeniera geotécnica ha influido mucho en su identidad musical. Su álbum de 2018 Anticlines , refiriéndose a una especie de formación geológica, profundizó en las propiedades de la materia: los glaciares en movimiento y la alquimia del agua en evaporación. Ahora combina de manera similar el sonido de la tierra con intervenciones humanas mecanizadas. "Coatlicue S." es un sonar que suena, entremezclado con piedras que caen en un pozo sin fin. "Suprema" también juega con un efecto de eco, voces que reverberan a través de la estática de un taladro de excavación que penetra en los estratos. "No era sólida" viaja a espacios cavernosos, ocupando un paisaje etéreo que se encuentra en lo profundo de una tierra incognoscible. Su última canción cristaliza con Dalt cantando en español, saliendo de su lenguaje inventado, y la disolución finalmente se vuelve nítida.

TheQuietus

El álbum puede oirse en Spotify

Disuelta en YouTube

neandertales tocando la flauta

En 2008, los arqueólogos descubrieron fragmentos de flautas talladas en huesos de buitre y mamut en una cueva de la Edad de Piedra en el sur de Alemania llamada Hohle Fels. Estos instrumentos datan de entre 42.000 y 43.000 años, aún más antiguos que los hallazgos anteriores de flautas en un sitio cercano que datan de hace 35.000 años. Las flautas están meticulosamente elaboradas, según National Geographic, en particular la flauta de hueso de mamut, que habría sido "especialmente difícil de hacer". 

The Archaeology News Network

Es posible que los neandertales también hicieran sus propias flautas. O eso podría sugerir un descubrimiento de 1995 de una flauta hecha de un fémur de oso de las cavernas. Encontrado por el arqueólogo Ivan Turk en un campamento neandertal en Divje Babe, en el noroeste de Eslovenia. Se estima que este instrumento (a la izquierda) tiene más de 43,000 años y quizás hasta 80,000 años. Según el musicólogo Bob Fink, los cuatro agujeros para los dedos de la flauta coinciden con cuatro notas de una escala diatónica (Do, Re, Mi…). "A menos que neguemos que es una flauta", argumenta Fink, las notas de la flauta "son ineludiblemente diatónicas y sonarán ajustadas dentro de cualquier tipo de escala diatónica estándar, moderna o antigua". Para demostrarlo, el conservador del Museo Nacional de Eslovenia mandó fabricar una réplica de arcilla de la flauta. Puedes escucharla en el vídeo de arriba tocada por el músico esloveno Ljuben Dimkaroski.

El instrumento prehistórico produce de hecho los tonos completos y medios de la escala diatónica, tanto que de hecho Dimkaroski es capaz de tocar fragmentos de varias composiciones de Beethoven, Verdi, Ravel, Dvořák y otros, así como algunas improvisaciones libres. Aunque los arqueólogos han discutido acaloradamente si la flauta es realmente obra de los neandertales, como sugirió Turk, si fuera así, el hallazgo contradeciría las afirmaciones de que "no dejaron pruebas firmes de haber sido músicos". Pero cualquiera que sea su origen, ciertamente parece ser un artefacto homínido y una clave para desbloquear la prehistoria de la expresión musical.

Josh Jones en OpenCulture
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la magia de la música

Para mí la función de la música es ser mágica. Uno de los grandes misterios de la vida es que, a nivel emocional, nos puede afectar tan fácilmente la disposición de unos pocos tonos o unas pocas líneas o unas pocas palabras. Es asombroso lo sensibles que somos a esas cosas.

Recuerdo, con bastante claridad, la primera vez que vi un cuadro de Mondrian. Era una reproducción de unos 10 centímetros cuadrados. Tenía diez o doce años. Me quedé noqueado, extasiado, asombrado, por la imagen, que era una de sus obras arquetípicas de tres colores, pero me sorprendió aún más el hecho de que algo tan mínimo pudiera afectarme tanto. Nunca he perdido esa sensación de asombro: ¿por qué somos sensibles al arte y por qué estamos tan sintonizados con estas pequeñas diferencias? Si un marciano llegara a la Tierra y le tocase un Cuarteto de cuerdas de Beethoven y luego otro escrito por un estudiante de música de primer año, es poco probable que entienda cuál es el sentido de escucharlos y ser capaz de distinguirlos.

Lo que esto deja en claro es que la mayor parte de la experiencia auditiva se construye en nuestras cabezas. La "belleza" que escuchamos en una pieza musical no es algo intrínseco e inmutable, como, por ejemplo, el peso atómico de un metal es intrínseco, sino que es producto de nuestra percepción que interactúa con ese grupo de sonidos en un contexto histórico particular. Escuchas la música en relación con todas las otras experiencias que has tenido al escuchar música, no en el vacío. Esta pieza que estás escuchando en este momento es la última oración de una conversación de toda la vida que has tenido. Lo que está escuchando es la forma en que difiere o se ajusta al resto de esa experiencia. La magia está en nuestro estado de alerta ante la novedad, nuestra atracción por la familiaridad y la alquimia entre los dos.

La idea de que la música es eterna de alguna manera, fuera de nuestra interacción con ella, es fácilmente refutada. Cuando viví unos meses en Bangkok, fui a la Ópera China, solo porque era un misterio para mí. No tenía ni idea de qué estaba emocionando a las otras personas en la audiencia. A veces, todos saltaban de sus sillas y vitoreaban y aplaudían en un punto que, para mí, era efectivamente idéntico a todos los demás puntos de la actuación. No entendía el idioma y no sabía cuál había sido la conversación hasta ese momento. No podía haber más magia que la barata emoción del exotismo.

Así que esos pobres misioneros engañados que arrastraron gramófonos al África más oscuro porque pensaban que la experiencia de escuchar a Bach de alguna manera "civilizaría a los nativos" estaban equivocados en casi todos los aspectos posibles: al pensar que "los nativos" eran incivilizados, al no reconocer que tenían su propia música, y asumiendo que nuestra música occidental era culturalmente separable y trasplantable, que de alguna manera llevaba consigo las semillas de la civilización. Esta arrogancia cultural se ha asociado a la música clásica desde que perdió su primacía como centro popular del universo musical occidental, como si la banda sonora del Imperio Austro-Húngaro en el siglo XIX fuera de alguna manera automáticamente universal y superior.

De todos modos, como decía al principio, ser mágico es cumplir una función importante: nos recuerda que el valor es algo que creamos y le damos a las cosas. Hacemos valor. Somos los magos. No está "fuera" de nosotros, es el resultado de que el ecosistema cultural genera significados, y son nuestras mentes las que son los protagonistas clave, no un conjunto particular de marcas en una página o surcos en un disco.

Brian Eno entrevistado en The Quietus