strange fruit

Extraña fruta colgando de los álamos 

Escena pastoral del galante sur
Los ojos abultados y la boca retorcida
Aroma de magnolias, dulce y fresco
Entonces el repentino olor a carne quemada

Aquí hay fruta para que los cuervos devoren
Para que la lluvia los junte, para que el viento los seque
Para que el sol los pudra, para que caigan de los árboles
Aquí hay una cosecha extraña y amarga

Letra de la canción de Billie Holiday de 1939: Strange Fruit. 

Estaba basada en un poema del maestro Abel Meeropol 

inspirado por la fotografía real del linchamiento de Thomas Shipp 

y Abram Smith en Indiana, en 1930. La letra describía los cuerpos 

de personas afroamericanas colgando de los árboles.

terry riley y su música psicodélica

Cuando tomé peyote», relata Riley, «entonces realmente vi la sacralidad de la música».

Adoptando un enfoque conceptual de la composición, Terry Riley y sus contemporáneos, como Pauline Oliveros y Steve Reich, «utilizaron de diversas maneras el zumbido y la repetición automatizada para crear música a partir de unidades sonoras mínimas y extremadamente prolongadas. Las técnicas tecnificadas de extensión de la duración en esta escuela de composición “hipnótica” promovieron la conciencia de la presencia vibracional del sonido dentro del cuerpo y brindaron a los oyentes una exploración psicoacústica y sensorial. De hecho, se puede encontrar una equivalencia en la reseña que el etnomusicólogo Alain Danielou hizo de los experimentos de La Monte Young con frecuencias microtonales en un número de 1966 de Psychedelic Review, donde afirma que “ciertas relaciones de frecuencia en la música pueden producir “revelaciones cósmicas” que conducen a “efectos considerables en nuestra condición psicofisiológica”.
Compositores del siglo XX como Cage y Stockhausen inspiraron a Riley a alejarse de la instrumentación estándar y adoptar los recientes avances tecnológicos en cinta magnética para crear bucles, estirar y manipular artificialmente el tono, la sonoridad y la percepción audible del tiempo. De hecho, es el enfoque experimental y espaciotemporal de la composición musical lo que más tarde se convirtió en un sello distintivo intrínseco de la música psicodélica: piezas que se adentraron en los reinos de la forma no teleológica, superponiendo texturas y utilizando drones, repetición y transformación gradual. 

prensaPsicodélica

el artista y el crítico

En aquel momento, sin embargo, gran parte de nuestro trabajo era intuitivo. No teníamos necesariamente un marco teórico completamente definido para lo que hacíamos; éramos artistas y trabajábamos por instinto. Es solo en retrospectiva cuando algunas de esas ideas empiezan a adquirir una forma y un significado más claros. —Stephen Mallinder, de Cabaret Voltaire, en conversación con Nicolas Ballet

un desbordamiento vaquero del corazón

Inauguramos la noche
Solo acumulando un poco de cansancio
Se hace tarde tan temprano ahora
Las olas entran en fases de montaña
Imposibilidades vinculadas
Posibilidades ramificadas

Vería fuego donde no debería estar
En la biblioteca vacía a la hora de la cena
Junto a la puerta del sótano que respira
El perro come de un viejo pandero en el suelo
Me han dicho que puedes vivir mucho, mucho tiempo con el amor de un perro
Y que las cosas se ponen amargas y malas
Cuando la gente está equivocada
Y el sueño se puede tener por el precio de una canción

A última hora del día
Cuando las opciones se han ido
Cuando el cinturón de seguridad es el único abrazo que has sentido en semanas
Cuando los números equivocados son la totalidad de tu vida social
Las estrategias oscuras de la vida silvestre
Solo te vuelven loco, chico

La vi por primera vez en una megatienda
El cuervo Day-Glo
Nacido en una caída libre
Como la hierba de plástico de las cestas de Pascua
Cayendo de un paso elevado
El cumplimiento de una profecía de décimo grado
Una obra maestra de motel

Ciego a las posibilidades ramificadas
Ciego a las imposibilidades vinculadas
Las lágrimas estaban en mis ojos
Como ciervos antes de que salten

Era como si estuviera estirando mi brazo a través de la puerta para gatos al cielo
Estaba pensando que podría lamer el glaseado de estos días de verano si las noches fueran la mitad de dulces
Yo como un perro golpeado caminando medio de lado
Adoré la forma en que modificó mis mañanas
Cuando me despertaba en las tranquilas aguas poco profundas de su cama
Volteretas y humo y un universo de aguanieve
Antes de que se deslizara en su herencia
Y desapareciera
Ahora cada segundo pensamiento está fuera de control

Supongo que en cierto modo anhelo ser radical
Cuando estaba con ella, se sentía mal estar triste
¿Te dije que un ángel finalmente vino y me cerró la boca?
Había una sonrisa y una lágrima en su voz también
Y ella me enseñó
A volver a encender
Volver a encender y volver a encender y volver a encender

Me dicen que puedes vivir mucho, mucho tiempo con el amor de un perro
Las cosas se ponen amargas y malas
Y el sueño se puede tener
A última hora del día cuando las opciones parecen haberse ido
Por favor, deja que tus ojos sean mi amigo de nuevo
Son solo lágrimas que funcionan mal
Un desbordamiento vaquero del corazón

David Cloud Berman (nacido David Craig Berman ; 4 de enero de 1967 - 7 de agosto de 2019) fue un músico, cantautor y poeta estadounidense que fundó, y fue el único miembro constante, la banda de indie rock Silver Jews con Stephen Malkmus y Bob Nastanovich de Pavement. Describió su infancia como "extremadamente dolorosa" y afirmó que se mantuvo "prácticamente independiente de los asuntos familiares" hasta su edad adulta. Durante su adolescencia, su padre saltó a la fama como abogado en representación de las industrias de armas de fuego, alcohol y otras; para entonces, Berman ya había empezado a desagradarle. Se vio obligado a vivir con su padre después de 1979, a pesar de sus deseos contrarios, por temor a que "creciera como un cobarde". Sufrió depresión toda su vida y posteriormente declaró que la afección se había vuelto resistente al tratamiento. A los 15 años, afirmó haber comenzado a tomar "todo tipo de drogas", y afirmó haber fumado PCP todos los días durante su segundo año de universidad.

Comenzó a experimentar con la poesía escribiendo a sus amigas del instituto. Afirmó que leer mucho en su vida reforzó su empatía, especialmente por aquellos que también tenían problemas; citó a William Faulkner como influencia. En la Universidad conoció a sus compañeros músicos, asistía a conciertos y compartía discos. Formaron la banda Ectoslavia. Escribió letras y poemas mientras trabajaba por turnos en el Museo Whitney de Arte Estadounidense, ocasionalmente en colaboración con Malkmus, quien junto con Berman se "drogaban" en Central Park en sus descansos de almuerzo. 

Cada vez más inspirado en el country, Berman ayudó a desarrollar el sonido de la banda Silver Jews y proporcionó el material lírico, cuyos temas se superponían con su poesía, de la que publicó un volumen  sus letras abordaban muchos temas, incluida su depresión, un asunto que culminó con el intento de suicidio en 2003. Después, se sometió a rehabilitación, se comprometió con el judaísmo y realizó una gira por primera vez, pero pronto disolvió la banda y se retiró en gran medida de la vida pública. A partir de 2005, las apariciones públicas de Berman consistieron principalmente en lecturas de poesía.

Durante su reclusión, surgieron nuevos problemas que lo impulsaron a regresar a la música; adoptó un nuevo nombre artístico y lanzó un álbum homónimo en julio de 2019, un mes antes de suicidarse. Purple Mountains fue aclamado por sus fieles seguidores. Se le considera una figura de culto importante e influyente del indie rock.

Wikipedia

Entrevista

Los últimos días de David Berman

Álbum Purple Mountains

YouTube 

peter brötzmann

Peter Brötzmann pretendía ser artista visual antes de desviarse hacia la música. Trabajó junto a Joseph Beuys, fue aprendiz de Nam June Paik y trabajó en publicidad antes de autofinanciar sus primeros álbumes, For Adolphe Sax y Machine Gun. Siempre ha diseñado sus propias portadas, así que para sus fans de toda la vida, sus letras increíblemente cuadradas, sus gráficos xilográficos y sus dibujos que parecen pinturas rupestres son tan reconocibles como el rugido de su trompeta.

En mayo y junio de 2021 expone bajo el título En el camino una colección producida de 2010 a 2020 con cuadernos de bocetos, dibujos, esculturas, ensamblajes en técnica mixta y otras obras. El propio Brötzmann escribe con su habitual autocrítica en la introducción: Al pasar tanto tiempo viajando, el tiempo entre giras no es suficiente para preparar grandes lienzos y empezar a pintar al óleo. Se usa lo que hay sobre la mesa: papel, cartón, una caja de puros vacía, bolígrafos, fieltros y pinceles, tinta en un vaso o en una piedra de tintero chino.

De hecho, muchas de las piezas parecen bastante pequeñas; las páginas reproducidas del cuaderno de bocetos miden tan solo 16 x 12 cm, y sin embargo, en ese espacio limitado, crea paisajes de una fuerza austera y vívida. Como muchos artistas con más de cinco décadas de carrera, Brötzmann transmite mucho con gestos minimalistas. Olas de tinta recorren la página en grandes ráfagas, que parecen penetrar profundamente en el papel; hay que fijar la mirada un minuto y dejar que el ojo se adapte, para que el verde y el negro se separen y los detalles casi subliminales se hagan visibles. Es como contemplar un Rothko tardío, comprimido en un formato de bolsillo, sin perder nada de su impacto.

Cuando adopta una técnica poco convencional, los resultados pueden ser asombrosos. Una serie de dibujos realizados sosteniendo tres lápices a la vez en la mano poseen una extraña cualidad tridimensional que acentúa el marcado primitivismo de las figuras. Una serie de objetos hechos con cajas de película Polaroid desechadas, con las cavidades previamente vacías rellenas con trozos de papel, manchas de pintura, plástico triturado o trozos de madera, parecen versiones de pesadilla de
las cajas de Joseph Cornell. Y sus esculturas, frecuentemente hechas de metal y madera —un embudo
clavado en un tocón, un objeto similar a una porra colocado en una caja, sobre un lecho de lo que parece cabello— tienen una crudeza sobrecogedora. Una caja llena de papel triturado está dispuesta de tal manera que las líneas de texto, como los recortes de William Burroughs, atraen la mirada, pero al cabo de un momento uno se da cuenta de que también hay un pulgar amputado. Está hecha de goma, pero la impresión persiste.

El discurso en torno al arte visual es tan egocéntrico que palabras como crudo y brutal solo se perciben como negativas. Pero los paisajes litográficos de Brötzmann, esculturas clavadas como tótems de una
religión popular cuyos fieles se niegan rotundamente a explicar su doctrina, y cajas repletas de objetos de ominoso porte, incluyendo cadáveres de animales disecados, son crudos y brutales, y poseen una
fuerza deslumbrante que rara vez se ve en galerías o museos. Este libro es esencial para cualquier aficionado, pero incluso quienes no estén familiarizados con su obra pueden quedar maravillados con lo que ven.

Texto de Phil Freeman en THE WIRE, número 447, mayo de 2021

redención

Como dijo Bob Marley, cuando todo está perdido, todos los profetas son asesinados o silenciados, y las voces más feas parecen las más fuertes, las manos de la violencia y la degradación parecen estar en todas partes, todo lo que tenemos, todo lo que necesitaremos, son canciones de libertad, canciones de redención.

La redención es un mundo mucho más grande: contiene y libera energía, pasión y un sentido de camaradería y conexión a través de las fronteras y límites que alguna vez parecían tan importantes.

La redención es una liberación. Sin amos, sin esclavos, sin conquistadores, sin conquistados, sin víctimas, ni nadie que se vanaglorie de la derrota o la subyugación de otros.

RedLetterChristians

clinamen: la piscina de céleste boursier-mougenot en parís

El artista visual francés Céleste Boursier-Mougenot ha presentado una instalación monumental de color, sonido y movimiento, desde mayo pasado, en la rotonda del espacio artístico Bourse de Commerce—Colección Pinault, ubicado en la Bolsa de París del siglo XVIII. 

Clinamen es una piscina poco profunda de 18 metros de diámetro que contiene 365 cuencos flotantes de porcelana blanca de diversos tamaños y formas. Esta armada de recipientes contrasta brillantemente con el revestimiento azul de la piscina, donde siguen una corriente hemisférica creada por un chorro de agua sumergido. Al chocar suavemente, los cuencos producen un sutil sonido de campana, similar al de una campanilla de viento. La imprevisibilidad del movimiento y la coreografía aleatoria del contacto entre cuencos de diferentes dimensiones crean una experiencia polifónica y resonante bajo la enorme cúpula iluminada por el cielo. El artista empleó la hidrofísica para garantizar un efecto sonoro óptimo, controlando con precisión la temperatura del agua para maximizar el sonido de cada cuenco.

Una plataforma de madera color arena rodea la piscina de veinte centímetros de profundidad, ofreciendo a los visitantes un lugar donde sentarse tranquilamente y observar esta hipnótica experiencia visual. La plataforma de observación se encuentra dentro de una estructura de hormigón gris con forma de tambor, diseñada por el arquitecto japonés Tadao Ando como elemento central de la renovación de la Bolsa de Comercio en 2021. La profundidad de la piscina es ideal, ya que crea una sombra proyectada y una iluminación bajo cada cuenco, creando la ilusión de flotar sobre el agua en lugar de estar sentado en su superficie. La selección de cuencos, que varian en tamaño entre 25 y 45 cm, varian en profundidad y grosor, y presentaban diferentes perfiles: algunos curvos, otros angulados y perpendiculares. Anticipar la colisión de dos o más cuencos añade la tensión creativa del movimiento y el sonido que recompensa al visitante cuando suena una campana.

La palabra clinamen (klih-NAY-min) tiene su origen en la antigua filosofía grecorromana. Describe la impredecible desviación de los átomos, concepto introducido por Lucrecio para defender la doctrina atomista de Epicuro . Esta desviación, según Lucrecio, proporciona el «libre albedrío que poseen todos los seres vivos del mundo».

Céleste Boursier-Mougenot se considera tanto músico como artista visual, y le apasiona crear sonido a partir de objetos no diseñados para crear música. Ha expuesto otras nueve variaciones de clinamen en prestigiosas instituciones y galerías de todo el mundo. Sin embargo, clinamen (v.10) en The Bourse es su instalación más grande hasta la fecha.

Con esta instalación, Céleste Boursier-Mougenot inicia un sutil diálogo entre la materia, la arquitectura y la presencia humana. Crea un entorno en el que el arte es una experiencia tanto individual como colectiva.

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gracias pablo, gracias teo

Fue un disparo de tiempo
Lo que hizo añicos
Su canción
Su peonza de viento
Su caballo de plata
O de cartón

Fue un disparo de miedo
Cuando vio un mundo duro y solo
Reino del diente y la pistola

Y no
Y entonces no
No, no entonces no
Y entonces no
No, no entonces no
No quiso crecer para no ser
Como ellos

Caminando entre dunas
Para siempre niño
Para siempre poeta
Mapas desconocidos
Y un sombrero de sombra
A la cabeza

Amigo Teo, amigo
Hasta que hondo llegó
Tu asombro y tu desprecio
Caminante increíble de la desolación

Y entonces no
No, no entonces no
Y entonces no
No, no entonces no
No quiso crecer para no ser
Como ellos

Teo, de Pablo Guerrero, en YouTube

copia de copia

    "Sex and Drugs and Rock and Roll" comenzó como una leve amonestación y terminó como un himno encantador. Hubo un tiempo en el que me cansé de ello, pero consiguió un nuevo comienzo de la vida. Cuando Jankel y yo escribimos esta canción, robamos el riff de un solo de bajo de Charlie Haden en un álbum de Ornette Coleman de 1960 llamado "Change Of The Century". Conocí a Charlie Haden más tarde y me dijo que también había robado el riff, ¡de una melodía folclórica cajún! Fue prohibido por la BBC cuando lo lanzamos como single, pero vendió alrededor de 18.000 copias. Con esta canción estaba tratando de sugerir que había más en la vida que cualquiera de esas tres cosas, sexo, drogas y rock and roll, o tirar de una palanca todo el día en una fábrica.—Ian Dury

music for gaza with love

For Gaza With Love Vol.1 es una nueva y bien elaborada recopilación benéfica que incluye artistas tan diversos como Richard Dawson, Belle & Sebastian y Pefkin, alias Gayle Brogan (cuyo himnario, "Premonitions", de lenta evolución, ya vale la entrada). Y eso sin hablar de la causa. Comisariada por el músico y compositor residente en Yorkshire, Aby Vulliamy, quien también colabora con la conmovedora y reflexiva "Because of Us", la colección busca recaudar fondos para la Academia PalMed en Gaza, una organización que busca mejorar la calidad de la atención médica para los palestinos mediante la formación y la educación. Enfrentada a una clara crisis existencial en una franja de tierra donde la mayoría de sus hospitales han sido dañados o destruidos en los últimos veintiún meses, necesita toda la ayuda posible.

El disco se lanzó el 18 de julio. Lo puedes combrar en formato digital o compactdisc AQUÍ.

El Volumen 2 se lanzará el 13 de agosto.

bandCamp

TheQuietus

empecinated en el café berlín

kevin coyne pintor

    Artista, músico, pintor, cineasta, narrador y poeta, nacido en 1944 en Derby (Inglaterra) y que pasó la última parte de su vida viviendo en Núremberg. Coyne cosechó muchos éxitos, grabando con artistas como Andy Summers, fue muy elogiado por Johnny Rotten e incluso le ofrecieron ser el cantante principal de The Doors tras la muerte de Jim Morrison. Fue aclamado por la crítica por su estilo poco convencional de composición de guitarra con influencias del blues , la intensa calidad de su voz y sus letras que describen la injusticia hacia los enfermos mentales. Pero Coyne también sufría de depresión y alcoholismo. Tras una crisis nerviosa provocada por el exceso de trabajo, abandonó la alta tensión de su estilo de vida en Inglaterra —pez pequeño en un estanque grande— y se convirtió en un pez gordo en el pequeño mundo del arte y la música de Núremberg.

    Estudió en la Escuela de Arte Joseph Wright de 1957 a 1961 y posteriormente, de 1961 a 1965, diseño gráfico y pintura en la Escuela de Arte de Derby. Allí conoció a Nick Cudworth (piano, guitarra acústica). Su amor por los bluesmen estadounidenses se desarrolló, al igual que su talento para la composición y la guitarra, así como su voz. De 1965 a 1968 trabajó como terapeuta social y enfermero psiquiátrico en el Hospital Whittingham, cerca de Preston, en Lancashire, y luego para "The Soho Project" en Londres como consejero de drogas. Trabajos que lo marcarían para siempre.
    Durante muchos años, Coyne produjo las ilustraciones de muchas de las portadas de sus propios álbumes. Su traslado a Alemania en 1985 vio florecer su obra en pinturas de tamaño natural. Publicó cuatro libros, dos de los cuales, Showbusiness y Party Dress , fueron publicados por Serpent's Tail en Londres. Se realizaron numerosas exposiciones de su obra visual por toda Europa. Las de Berlín, Ámsterdam y Zúrich tuvieron una excelente acogida y asistencia. 

    Increíblemente prolífico, produjo unos 40 álbumes a lo largo de su vida y una enorme y diversa obra pictórica: humorística, directa, terrorífica, melancólica y oscura. A menudo considerado un outsider, un rebelde, un inconformista, pero un auténtico original, disfrutaba de la libertad de crear sin restricciones. Su estilo se inclinaba hacia la «pintura mala» y el «art brut», que reflejaban directamente sus experiencias con enfermos mentales. Ilustró las portadas de sus discos y libros.

     Falleció en 2004 en Núremberg.

Página Oficial

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