huecos

«Cuando pongo mi pluma sobre una hoja en blanco, no se añade negro, sino que la hoja blanca se queda sin luz. […] Así comprendí que los espacios vacíos son el aspecto más importante de una tipografía. 

El material de la tipografía es el negro, y la tarea del diseñador, con la ayuda de este negro, consiste en capturar el espacio y crear blancos armoniosos tanto dentro de las letras como entre ellas.». —Adrian Frutiger, diseñador tipográfico

acaso la memoria, de álvaro valverde

Acaso la memoria sea eso:
la fugaz certidumbre del pasado,
un paisaje que el tiempo desvanece
y que la luz asedia desde el fondo.

Miras la estancia quieta, las paredes
donde la tarde deja su penumbra,
y sabes que no hay nadie, que estás solo
frente al espejo limpio de los días.

No hay nada que sugiera sino tiempo,
este rastro sutil de lo perdido,
la sombra de un ramaje en la ventana
y el silencio guardado de la casa.

Álvaro Valverde

jeff wenzel, mi ceramista favorito

Nacido en Denver en 1959, Wenzel vivió en Colorado, California y Alaska durante su juventud, para luego regresar a California a realizar sus estudios de posgrado. En la Universidad de California en Berkeley, se dedicó a la escultura y la pintura, estudiando y trabajando como asistente docente con el renombrado escultor expresionista abstracto Peter Voulkos. También estudió dibujo y pintura con Elmer Bischoff y Joan Brown, ambos pintores expresionistas vinculados al movimiento figurativo del Área de la Bahía. En 1981, Wenzel obtuvo una Maestría en Artes y dos años después una Maestría en Bellas Artes de la UC Berkeley. Posteriormente, impartió clases de cerámica y escultura cerámica en diversas instituciones artísticas del Área de la Bahía. Al regresar a Denver en 1988, además de su trabajo con arcilla, Wenzel comenzó a realizar pinturas de gran formato utilizando materiales mixtos sobre papel y madera. Su obra se exhibe y forma parte de colecciones a nivel nacional.

De niño, nunca pensé en ser artista. Me interesaban sobre todo las actividades al aire libre y las carreras de aceleración. Construí muchas maquetas y dibujé coches de carreras. Más tarde, en la universidad, tuve una novia artista que me inspiró a desarrollar mi vena artística. Me enseñó un poco a tocar la guitarra, tomé algunas clases de arte y me apasionó.
Para mí, no ha sido un camino fácil. Ser artista y ganarse la vida como tal es difícil. Aunque he expuesto en muchas galerías durante los últimos 30 años, nunca he podido vivir exclusivamente de mi trabajo.
Me dedicaba principalmente a la enseñanza del arte y tenía mi propio negocio de pintura de casas, y eso me ayudó a superar esta situación… Aunque nunca he tenido problemas para seguir trabajando. Hacer arte me ayuda a reconectar conmigo mismo y le da sentido a mi vida de una manera que ni la pintura de casas ni la enseñanza lograron.
Mi pasión inicial fue la arcilla. Me dediqué a la escultura cerámica y enseñé cerámica desde que estaba en la universidad, y he continuado haciéndolo. Pero desde que regresé a Colorado a finales de los 80, comencé a pintar.
Mi enfoque de la pintura era muy similar al que seguía con la arcilla. Tenía que pintar y construir mis cuadros a partir de elementos de collage que cortaba y reorganizaba, de forma parecida a como trabajaba con láminas de arcilla. Así pues, durante los últimos treinta y tantos años, mi principal interés se centró en la pintura abstracta.

Trabajo de forma intuitiva e instintiva. Mi trabajo es visceral. No es conceptual; es físico y experiencial. Trabajo mejor cuando estoy abierto, relajado y un poco impulsivo, dejando de lado la tendencia restrictiva de mi mente racional. Al ser directa y evitar la autocensura y la duda, suceden cosas más interesantes y soy menos propenso a la artificialidad. La destrucción, la impulsividad y los accidentes son parte fundamental de mi proceso. Me tomo la libertad de pintar encima, de cortar y rasgar, de borrar. Evito cerrarme en banda para no perder la oportunidad de descubrir. Algo emerge de la cacofonía de relaciones dentro de la pintura: un hilo conductor que tiene significado para mí. A veces puedo perderlo o puede que no me lleve a ninguna parte. A veces me conduce a un lugar que me gusta y que no había visitado antes.

Una de mis convicciones más profundas es que toda obra verdaderamente buena trasciende su propia esencia; donde los materiales y las técnicas empleadas se vuelven insignificantes. Para mí, lo que cuenta es la experiencia. Que algo compuesto de materiales ordinarios y cotidianos —cartón, crayones, cuerda— pueda encarnar el poder expresivo intrínseco de cautivar y deleitar me resulta fascinante. Picasso lo dijo: «Lo importante es lo que uno encuentra, no cómo llega a él». El hecho de poder experimentar esto ocasionalmente y en cierta medida en mi propio trabajo es lo que me impulsa como artista.

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VoyageDenver

CraigheadGreenGallery

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breve historia de américa

Concepto e ilustración de Robert Crumb en 1979, e impresa en offset a color en el 2003.

la trinchera del artista

El artista tiene que estar siempre velando contra el halago de los poderosos, contra el halago de los que mandan. Convertirse en estandartes de la moda es lo más envilecedor que puede hacer un artista. El artista siempre tiene que estar a la contra, siempre tiene que estar sospechando que le quieren captar. —Juan Manuel de Prada

jens birkemose

Pintor, músico, fotógrafo, escultor, el danés Jens Birkemose nació en 1943 y falleció en 2022. Se crió en Copenhague. Es pianista de formación e historiador musical, graduado de los conservatorios de Aalborg y Copenhague. Tuvo un estudio en París desde 1976 y, a partir de 1980, expuso como miembro de los Decembristas; en 1990 recibió la Medalla Eckersberg. Su obra está representada en la Galería Nacional de Dinamarca y en otros museos daneses.

Jens Birkemose trabajó con el formato íntimo, por ejemplo, como autor de una serie de pequeños libros surrealistas y poéticos que combinan fragmentos de texto e imagen con una riqueza asociativa lúdica y erótica. Pero también se desarrolló en los formatos grandes, donde, como pintor, cultivó un estilo expresionista abstracto con énfasis decorativo. La música de John Cage, entre otros , influyó notablemente en la experimentación de Birkemose con los métodos y límites del proceso pictórico. En una importante exposición como «La noche de Newton» en la Ny Carlsberg Glyptotek en 1980, también incluyó arte postal y collage, y experimentó con el efecto de aura en objetos de origen, entre otros, exótico. En 1989, realizó un proyecto de decoración para la Escuela de Negocios de Copenhague.

Poético y provocador a la vez, es considerado uno de los artistas más versátiles de Dinamarca. Durante más de 50 años, ha desafiado al público danés e internacional con obras impactantes. Su arte siempre opera en un campo de tensión entre los instintos humanos y lo moralmente permisible. Su mundo visual, impulsivo y a veces voyeurista, desata emociones y pensamientos reprimidos, tanto del artista como del espectador. Sus obras son de gran formato, con una imaginería a menudo opulenta y violenta, en la que busca lo inacabado y lo imperfecto, impulsado por una pulsión creativa nutrida por reflexiones sobre el subconsciente.

En 2019 se hizo una gran retrospectiva con sus obras más íntimas e inéditas en el Museo Jorn de Silkeborg titulada « JENS BIRKEMOSE, aún no he terminado...» con un singular proyecto artístico epistolar, sus cartas. secretas, que supera la imaginación de la mayoría, en el que Birkemose adopta una identidad femenina diabólica para investigar, desafiar y controlar fantasías pornográficas íntimas de su propio sexo. En general, esta expo se desarrolla como un viaje a través del tiempo por la vida y la mentalidad del artista mediante pinturas, grabados, dibujos, collages, ensamblajes, obras de cerámica, cartas y libros. En total, varios cientos de objetos.

Invaluable

MuseumJorn

FineSpind

la pantonera de patric syme

Patrick Syme fue un artista escocés que nació el 17 de septiembre de 1774. Apenas sabemos nada de él, salvo que en 1814 publicó en Edimburgo un libro, La nomenclatura de los colores de Werner, impreso por James Ballantyne and Co. para William Blackwood, en el que intentó proporcionar nombres de colores estándar, descripciones y muestras de color reales, organizados de manera que resulten útiles para la zoología, la botánica, la química, la mineralogía, la anatomía y las artes. Su libro enumera 108 colores, con nombres como "púrpura imperial" o "amarillo limón" (llama a su lista "nomenclatura de Werner" porque el geólogo alemán Abraham Werner fue el primero en intentar un sistema de nombres, aunque no proporcionó muestras y solo estaba interesado en minerales). Para cada color, Syme dice cómo hacerlo: "púrpura imperial" se compone de azul celeste, azul índigo y rojo carmín, en cantidades iguales ( ver la primera y la segunda imagen de arriba ). Luego hay una muestra coloreada a mano para cada color, y varios ejemplos de dónde se puede encontrar este color en la naturaleza; así que “amarillo limón” es el color de un avispón grande, o de un arbusto de Ricitos de Oro”.

El libro de Syme fue un éxito inmediato entre los naturalistas, y Charles Darwin llevó una copia de la 2.ª edición (1821) en el viaje del Beagle. Al principio del viaje, estaba estudiando algunas sepias, y al notar su poder de cambiar de color, observó que “nubes, que variaban en tonalidad entre un rojo jacinto y un marrón castaño, pasaban continuamente sobre el cuerpo”. Estos colores remitían al lector a una nota al pie: “Así llamado según Pat. La nomenclatura de Syme".  Darwin le dijo más tarde a su experto en peces, Leonard Jenyns, que antes de describir el color de algo, "siempre se hacía una comparación con el libro en mano, antes de anotar el color exacto en cualquier caso". 

El libro está considerado como el predecesor del sistema actual de Pantone. De forma completa puede verse y leerse en la web de la Royal Scottish Academy. Actualmente existe una reedición ampliada en castellano, con gran variedad de ilustraciones, que han titulado como Los Colores de la Naturaleza, en una edición muy cuidada de Patrice Baty.

TheLindaHall

RoyalScottishAcademy

locomotoro

“Yo nací literalmente en el puente de Vallecas el 18 de abril de 1928; entonces aquello era un pueblo separado de Madrid”. La familia al cabo de unos meses puso un frutería cerca de Atocha, en la capital. Paquito tenía ocho años cuando estalló la Guerra Civil: “Nos alimentamos gracias a la tienda y al intercambio; un día mi madre me dio un huevo para que lo cambiara por pan y se me rompió por el camino”. Eran tres hermanos. Isidro, que era el mayor, ya era actor, por esto él quiso entrar en una academia de teatro infantil con 12 años. Las funciones se celebraban los domingos a las cuatro de la tarde. Su vis cómica fue prematura: “Me dieron un papel dramático pero me lo quitaron en el ensayo general porque cuando hablaba el público reía”.

La carrera de Cano como tenor cómico de zarzuela en las compañías de Marcos Redondo y Pedro Terol dio paso a la revista, cuando este género sustituyó al anterior en el gusto del público. El actor trabajó con Celia Gámez en varios espectáculos, entre otros La hechicera en palacio y Mami, llévame al colegio, que era una versión de Las Leandras, título que entonces estaba prohibido. “Celia, que llegó a cobrar diez mil pesetas diarias, estaba arruinada y con esta revista obtuvo un exitazo con el que pudo rehacerse”. Cuando murió, la prensa, entre los elogios a la actriz, destacó la participación de Cano en su compañía.

Las películas fueron alternándose con el teatro. En la gran pantalla participó en "El niño de las monjas" de Iquino, "Cuentos de la Alhambra" de Florián Rey y "Esa pareja feliz" de Berlanga y Bardem. Además, en "Buenos días condesita" actuó junto a Rocío Dúrcal y en "El astronauta", con Tony Leblanc. Fue un actor asiduo en las revistas de los teatros La Latina de Madrid y el Talía de Barcelona. Un empresario argentino le contrató para una gira en Latinoamérica. Así formó una compañía familiar con su hermano Isidro y su novia María Jesús Jorge. “Ella era bailarina y antes de partir nos casamos, claro; estuvimos cinco años actuando por Puerto Rico, Buenos Aires, Brasil, Colombia, Venezuela, Santo Domingo y Nueva York”.

Oscar Banegas le vio en el teatro Eslava de Madrid y le fichó para el papel de Locomotoro. Tras cinco años en el espacio infantil de TVE puso fin a su carrera artística. Paquito Cano ya se dedicaba a la construcción y decidió prestar total atención a su negocio. Su empresa llegó a tener más de treinta trabajadores y levantó buena parte de los barrios del sur de Madrid. Ahora vive de las rentas de alquileres y disfruta de una familia en la que en lugar de actores hay cuatro arquitectos. Tiene tres hijos, cinco nietos y siete biznietos. Quien sabe si les repite el truco de inclinarse hasta casi tocar el suelo y si les suelta “borra eso” cuando se equivoca o si les asusta con los Hermanos Malasombra.

Jaume Collell en La Vanguardia, 2017

Última reunión de los chiripitifláuticos en YouTube

el último museo

Un museo virtual donde buscar, donde pasear y escudriñar. El Último Museo es una web sumamente entretenida, aunque no siempre encontremos lo que buscamos e ignoren a muchos artistas. Por artistas, temas, estilos, museos, conceptos, formas o técnicas. Di lo que te interesa a su buscador.

TheLastMuseum

las guerrilla girls

En 1985, un grupo anónimo de mujeres disfrazadas con máscaras de gorila irrumpió en la escena artística de Nueva York. Por la noche, las Guerrilla Girls, como se hacían llamar, pegaban carteles por toda la ciudad: divertidos y llamativos que denunciaban los prejuicios de género y raciales en museos y galerías. («¿Acaso las mujeres tienen que ir desnudas para entrar al Museo Metropolitano?», rezaba un cartel ahora famoso). «Por supuesto, temíamos que si denunciábamos a algunas de las personas más poderosas del mundo del arte, nuestras carreras artísticas se verían arruinadas», explicó una de las fundadoras en una entrevista para su libro de 1995. «Pero, sobre todo, queríamos que la atención se centrara en los problemas, no en nuestras personalidades ni en nuestro propio trabajo. Nos unimos a una larga tradición de vengadores enmascarados (en su mayoría masculinos) como Robin Hood, Batman, El Llanero Solitario y la Mujer Maravilla».

El colectivo sigue activo; 55 miembros han entrado y salido a lo largo de los años. En las entrevistas, usan seudónimos tomados de artistas fallecidas: Frida Kahlo, Lee Krasner, Käthe Kollwitz. Solo se han revelado las verdaderas identidades de unas pocas, principalmente después de su muerte o debido a demandas judiciales. Pero esta semana, una Guerrilla Girl fue noticia al decidir revelar su identidad por voluntad propia. «Tenía un pacto con otra Guerrilla Girl: quien muriera primero, la superviviente la sacaría a la luz», dijo la artista de 83 años Joyce Kozloff (nombre en clave: Liubov Popova). «Pero de repente me di cuenta de que si yo moría, no podría contar la historia a mi manera».

Fue la incesante curiosidad del público la que, en 1990, inspiró a las Guerrilla Girls a publicar un nuevo póster con el titular «¡Se revelan las identidades de las Guerrilla Girls!». La obra presentaba 10 columnas con más de 500 nombres de mujeres involucradas en el mundo del arte en aquel entonces, y concluía con la frase «Y muchas más…». Obviamente, se trataba de una broma, ya que habría sido imposible que tantas mujeres participaran (aunque todas las integrantes posteriormente confirmadas figuran en la lista). Pero qué ingeniosa manera de honrar la razón de ser original del grupo: llamar la atención sobre las innumerables mujeres poco reconocidas que, de hecho, han querido hacerse un nombre.

TheGuardian

GuerrillaGirlsWeb

WhitneyMuseo

FarOutMagazine

los peinados reivindicativos de laeticia ky

Laetitia Ky nació (1996) y se crió en Abiyán, Costa de Marfil. Sus padres se divorciaron cuando era pequeña. Hizo una licenciatura en Administración de Empresas del Instituto Nacional Politécnico Félix Houphouët-Boigny en Yamoussoukro. Después de graduarse, Ky decidió dedicarse a las artes en lugar de a los negocios y comenzó a aprender a coser por su cuenta, con la intención de hacer carrera en la moda. Después de que comenzó a perder cabello a los 16 años, se interesó en el movimiento estadounidense del cabello natural; ha declarado que, "a pesar de vivir en un país lleno de mujeres negras", nunca antes había visto a una mujer negra con cabello natural.

Esta artista usó su propio cabello en intrincadas obras de arte escultórico inspiradas en la historia, la cultura y la identidad africana. Usando alambre, trenzas y notable habilidad técnica, crea formas elaboradas que exploran temas de feminismo, colonialismo, amor propio, libertad y representación. Su viaje artístico comenzó en 2016 después de descubrir en Facebook un archivo de fotografías que mostraban a mujeres africanas usando peinados desde antes de la colonización, revelando una rica tradición visual que en gran medida había sido olvidada o pasado por alto. Ky se inspiró para esculpir su cabello de manera similar a las mujeres que aparecían en las fotos. Publicó sus esculturas en Instagram; inspirada por la respuesta positiva de otras mujeres negras, continuó publicando esculturas de cabello con regularidad. En 2017, después de que una de sus esculturas se volviera viral, Ky comenzó a recibir propuestas de revistas internacionales. En 2017, Ky organizó su primer taller de "Ky Braids" para enseñar esta forma de arte a otras personas. Posteriormente, realizó una colaboración musical con Di'Ja, cuyo cabello cubrió con tela estampada inspirada en el cabello de las mujeres Himba. Ky lanzó su marca de moda en 2018.  Llamada Kystroy, busca ser inclusiva, utilizando un lenguaje que promueve la aceptación del cuerpo para describir las tallas de ropa, por ejemplo. La obra de Ky se presentó en la Bienal de Venecia de 2022, dentro del Pabellón de Costa de Marfil. En ese mismo año, la galería LIS10 presentó en Arezzo "Empow'Hair", su primera exposición individual, junto con una instalación de Marco Rambaldi.

En muchas sociedades precoloniales africanas, los peinados tienen un profundo significado. Podrían comunicar la edad, la condición social, la religión, la riqueza, la etnia o el estado civil, mientras que también sirven como símbolos de poder, espiritualidad y comunidad. A través de su trabajo, Ky revive estas tradiciones y las reinterpreta para una audiencia contemporánea, transformando el cabello en un medio vivo que preserva la memoria, la cultura y la historia. Es su arte, pues, político, reivindicativo, cada vez más. Usando sus esculturas contra el acoso escolar y la opresión sexual

Su estilo característico consiste en crear esculturas con alambre, hilo y sus rastas, que se alargan con extensiones integradas a su cabello natural. Las esculturas se realizan mientras las extensiones están unidas a su cabello natural.  Ella denomina a este estilo el Concepto Ky. Estos estilos expresan su creatividad y, cada vez más, su postura política. Cada escultura tarda entre veinte minutos y seis horas en crearse. 

Wikipedia

ArtistWorldlyInstagram

LaettitiaKyInstagram