ronda de valencia, madrid

tamborada senegalesa

Como todos los domingos en Lavapiés, los senegaleses del barrio sacan sus ashikos y djembes en pasacalles, y danzan para el público pidiendo la voluntad en una cesta. Es un verdadero espectáculo digno de ver y oír. Por mi parte, acabo la parte azul del lapicero y tengo que dibujar con la roja.

goma azul

La goma blanda permite carvar sobre ella manteniendo su consistencia y flexibilidad. Es fácil de trabajar con gubias y su gran impermeabilidad la hace adecuada para transferir imágenes. Es especialmente interesante para hacer tiradas de varias piezas en las que poder hacer variaciones de color. Nosotros usaremos la plancha de vinilo flexible en bloque para carvar. Se vende en varias dimensiones y se recomienda la azul de la marca Factis, ya que se puede trabajar por ambos lados. La goma blanda blanca de Milán, la goma que usamos para borrar también se vende en planchas, es aún más fácil de carvar, pero no es recomendable pues es muy quebradiza.

Pomada Grbadonline
y aceite le linaza

La azul la usaremos para linograbado (impresión con hoja de linóleo grabado) dibujando directamente sobre la goma y levantando fácilmente las partes que no queremos imprimir con gubias. Dada su gran elasticidad, algo que no tiene el linóneo y menos aún la madera, podemos imprimir con facilidad superficies cerámicas, aun siendo curvas.

Para ello podemos hacerlo impregnando las superficies en relieve con engobes densos u óxidos humedecidos con agua, o mezclando los óxidos con tinta grasa transparente y tintando posteriormrnte la superficie con un rodillo. También hay tintas al agua, pero no son recomendables porque se secan enseguida en el rodillo, y dan más problemas, aunque es más fácil limpiarlas. Las tintas grasas hay que limpiarlas con disolvente o aguarrás.

El medio graso se quema en el horno, el pigmento necesita un fundente. La tinta transparente de offset es la recomendable, ya que tenemos una percepción fidedigna del color y es más barata que la fabricada específicamente para el grabado.

P A S O S
1/ Mezclar en polvo los pigmentos de color, sobre una superficie de cristal bien limpia, para obtener el color exacto que queremos.
2/ Hidratar el pigmento: con aceite de linaza o con pomada para tintas de grabado (on line en este caso), que es más refinada. Con el aceite de linaza basta. Unas gotitas. Que no esté demasiado líquido porque luego no admitiría la tinta offset. Este operación es prescindible.
3/ Añadir fundente, como un 10-20%. Usaremos el 6025 pero también vale un feldespato potásico. Si lo hacemos en seco con los colorantes se mide mejor el porcentaje.
4/ Añadimos el vehículo graso, la tinta offset transparente, y amasamos muy bien todo. Que sea siempre más grasa que aceite de linaza, pues si no se resbalará, no se agarrará al rodillo.

5/ Cargar el rodillo pasando varias veces sobre una parte del conglomerado que hemos mezclado, hasta que cambia el sonido. Una marca buena de rodillos es Speedball, un rodillo que no es muy duro. Está listo cuando cambia el ruido y coge el aspecto del skay. 

Tintas usadas

6/ Entintar el grabado e imprimir primeramente sobre un periódico, porque mancha mucho.

7/ Estampar mejor sobre dureza de cuero,

8/ La tinta coloreada sobrante podemos guardarla para otra ocasión en tubos vacíos y abiertos por la parte trasera que se venden en tiendas de bellas artes.
9/ Limpiar muy bien el rodillo y el cristal con aguarrás.

También podemos imprimir en la cerámica ya bizcochada impregnándola con una capa de esmalte y sobre ella presionar con los sellos de goma impregnados con esmaltes de colores aplicados con esponja (ver vídeo). Y, si queremos los dibujos en relieve, solo hay que presionar con el sello sobre el barro en dureza cuero y pintar con pincel con engobes o con esmaltes con el barro ya seco.

En el mercado hay tintas ya mezcladas con colorantes óxidos. Son buenas las Chardonell.

El ejemplo de la parte superior es un proyecto para decorar azulejos.

Gracias Mar por tus apuntes.

Goma Eva

Sellos de goma de Nuria Álvarez

Graciela Olio

Marphil

Grabadonline

autorretrato de un muerto

En la obra "David con la cabeza de Goliat", Caravaggio tematiza sin rodeos la muerte del rostro en el autorretrato. Se trata probablemente del único de la Historia del arte en que un artista representa su rostro en el momento en que la vida escapa de él. El marco narrativo lo ofrecía la historia bíblica de David y Goliat. Ya en el siglo XVII se sabía que la pintura  de la Gallería Borghese en Roma incluía un autorretrato. La cabeza cortada del gigante, en la que los ojos se apagan y comienza a manifestarse la rigidez cadavérica, tiene los rasgos del pintor. Prácticamente vemos cómo el rostro se transforma en una máscara mortuoria. Según la Biblia, David mató al filisteo con una honda, cuya herida se muestra en la frente del gigante. No obstante, el pintor represnta la posterior decapitación y, por tanto, la ejecución de Goliat. En 1613, pocos años después de la muerte de Cravaggio, el cuadro ya está documentado en poder del cardenal Scipione Borghese, uno de sus principales mecenas. Posiblemente hace alusión a un asesinato ocurrido el 31 de mayo de 1606 fruto de una reyerta a cuchilladas tras un juego de pelota en las cercanías de Villa Médici, que también dejó al pintor malherido en la cabeza. Caravaggio tuvo que huir de Roma y hasta su muerte esperó en vano una absolución. Se puso precio a su cabeza en el llamado bando della testa, que lo convertía en un bandido o desterrado oficial. Si la pintura vio la luz tras huir de Roma, con la referencia autobiográfica Caravaggio tal vez quería evitar la amenaza de una ejecución, animando al mecenas a conseguir el indulto para su artista más importante.

Pero en este autorretrato hay otro sentido, al sugerirnos el autor que, al ejecutar el acto pictórico, él ya se ha dado muerte. Cierto que estaba la tradición del "retrato encubierto", en la que el representado podía desempeñar un papel bíblico. Sin embargo, en este caso Caravaggio no se nos muestra como el joven David, que, con una expresión inesperadamente (e inexplicablemente) triste, sostiene ante nuestros ojos la cabeza cortada. La mirada de David, así como la posición de su brazo, nos obligan a dirigir la nuestra hacia el insólito autorretrato, que ha sido separado del cuerpo. La sangre parece gotear aún fresca del cuello, mas en realidad el pintor la ha dejado correr densa por el lienzo, que ha utilizado como si quisiera hacernos testigos de la solidificación y secado de los colores. La decapitación se convierte en una metáfora del acto pictórico, privando de vida al rostro al transformarlo en pintura. En este autorretrato, decapitación y descorporización se remiten la una a la otra especularmente. En el acto pictórico, un rostro se congela en máscara.

Un retrato interrumpe o bloquea el curso del tiempo, ese tiempo que transforma continuamente la expresión del rostro. También para la vida gestual que tiene lugar en las facciones vivas. Todo retrato suscita la doble pretensión de reproducir un rostro individual y, además, representar el rostro, aunque para ello lo único que pueda ofrecer es una superficie muerta. Por eso el autorretrato se rebela contra la máscara. Todos nosotros experimentamos esa máscara cuando, al mirar al espejo, nos vemos congelados en él. Por eso el espejo nos invita con tanta frecuencia a ignorar el rostro, para huir de la máscara que nos devuelve.  Un sujeto que se busca en el espejo, encuentra en él a otro. Sólo se puede identificar con él cuando el rostro empieza a moverse en el propio espejo.

Hans Belting en Faces, una historia del rostro. Ediciones Akal. Madrid 2021

rostro naranja sobre caja de frutas

arte inuit

Kenojuak Ashevak. Sin título, 1927. Grafito y tinta sobre papel.

Kenojuak Ashevak. La mujer que vive bajo el sol. 1960.

El búho encantado, Kenojuak Ashevak, 1960. Talla en piedra.

John Kavin , figura, 1973. Piedra

Galería de arte de Winnipeg , catálogo, 1979

Arte inuit donado por un coleccionista privado al Museo Nacional de Quebec.

Joanassie Oomayoualook , Ptarmigans - pequeñas esculturas de Kinngait /
ᑭᙵᐃᑦ / Cape Dorset. Piedra negra.

Ittorchiak , Birds in a Tree (Impresión de un tallador que nunca
ha visto un árbol). De Canadian Eskimo Art, Departamento de
Asuntosdel Nortey Recursos Naturales, Ottawa, 1965.

Pinguino hecho con diente de cachalote. Groenlandia.

Escultura schamane inuit. Groenlandia.

Pieza del Museo de Arte Inuit. Toronto, Canadá.

Tupilaq. Arte inuit en marfil. Siglo XX.

Tamborilero, Sculpture de Karoo Ashevak 1974.
Museo de Bellas Artes de Montréal

Spirits, también de Karoo Ashevak.
Museo de Arte Inuit, Toronto

Dos esculturas de de Darlene Coward Wight,
de1949 y 1955, en la Winnipeg Art Gallery

Artista desconocido, 1955

Hunter llamando a los animales de Anernik Oshuitoq, 1963

Sello de marfil de morsa, artista desconocido, siglos XVIII-XIX

Buho de piedra de Tudlik, 1956

Tres búhos de marfil, de Sarki, 1952

Los inuit son aquellos habitantes del ártico canadiense a los que nosotros llamamos esquimales, que es el nombre peyorativo que les dio el hombre blanco. Inuit significa pueblo. Habitan en las regiones árticas de América. Sus antepasados Thule fueron pobladores que provenían de Siberia y que llegaron a América por el Estrecho de Bering. 

A mediados del siglo XX, el gobierno canadiense empezó a preocuparse del desarrollo de las artes en las comunidades del norte de la provincia de Quebec, enseñando los principios básicos de la escultura y el grabado. La distribución extensa de sus 35000 habitantes ha propiciado distintos estilos, muy apreciados por coleccionistas y galerías. En Nunavik esculpen escenas naturalistas en piedra esteatita, entre gris y negra; en las islas Baffin tienen un estilo elegante y humorístico, y esculpen piedra serpentina, de tonos verdosos; en Kivaliq la piedra está menos pulida y abundan las figuras humanas, los temas familiares. Añadimos unas figuras talladas en dientes de cachalote, de Groenlandia.

En Toronto, en la orilla del lago Ontario, se encuentra el único museo canadiense que alberga piezas antiguas y contemporáneas elaboradas por los indígenas del norte: el MIA, Museo de Arte Inuit. Exhibe cerca de mil piezas de arte, desde esculturas de piedra, cuerno, marfil y hueso, hasta cerámicas, dibujos y adornos de pared; algunas tienen hasta mil años. Sus piezas reflejan los temas del arte inuit como osos polares y negros, aves, instrumentos de caza y pesca, canoas, sirenas y perros de trineos. Un tema recurrente en el museo es la maternidad. Mujeres indígenas cargando a sus pequeños.  Este museo también muestra diminutas piezas en marfil que datan del año mil, desde pequeños iglúes hasta instrumentos de caza.

El Museo Nacional de Etnología, en Madrid, hizo una expo en 1990 sobre la vida y el arte de los inuit del norte de Quebec, que el Ministerio de Cultura de España registró en un libro editado el mismo año con numerosas fotografías de las piezas. Su contenido era: La escultura, el Kayak, Inujait (figuritas humanas), equipamiento de la casa y de la caza, los perros, vestimenta y aderezos, cestería, juegos inuit y litograbado.

ElViajero

Doméstika

MIA

NoBrashFestivity

MarionScottGallery

resiliencia

R E S I L I E N C I A es la capacidad de adaptarse a situaciones adversas e incluso salir fortalecidos.
H O R M E S I S es la respuesta del organismo a un estímulo estresante de intensidad y duración tal que produce un beneficio.

Someternos a estímulos de presión evolutiva, es decir, a estresores con los que hemos convivido durante nuestra evolución como especie, pone en marcha los mecanismos de respuesta adaptativa que hemos ido desarrollando para sobrevivir y así salimos fortalecidos. Hablo de estímulos como el frío, el calor, la falta de alimentos, la privación de agua o la falta de oxigeno.

En nuestra vida actual estos estímulos han ido desapareciendo. Tenemos calefacción, aire acondicionado, supermercados, neveras, agua corriente, coches, trabajos sedentarios... Realmente no pasamos frío, calor, hambre, sed o hipoxia. Nos vamos fragilizando. Lo que no se usa se pierde. Podemos recuperar ese potencial adaptativo, podemos hacer accesibles estos recursos internos de resiliencia, si reintroducimos en nuestro día a día estos estímulos con control y de forma intermitente

En Psiconeuroinmunologia clínica (PNIc) una de las intervenciones para la prevención y tratamiento de patología crónica es pautar la exposición a estímulos horméticos. ¡Atrévete a expermentar un poco de incomodidad! Quizás puedes esperar a tener sed de verdad para beber, no salir tan abrigado y pasar frío antes de ponerte el abrigo, alargar el ayuno nocturno, hacer ejercicio físico... Introducir cambios para estar bien, para ganar flexibilidad y ser más resilientes.

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la máquina del tiempo

     

  La representación pictórica de una estancia plasmaba, como en un espejo, la presencia del retratado en el ámbito doméstico. Con esa vista en perspectiva se daba la impresión de que la persona del retrato habitaba la misma morada que el espectador. En un principio, el marco del cuadro simulaba el auténtico de una ventana; era como si, con él, el retrato dispusiera de una conexión entre el mundo pintado y el real que permitía a quien lo contemplase comunicarse con la persona de la imagen. El marco también fungía como intervalo, al separar el tiempo de la imagen del tiempo ante la imagen, el tiempo del recuerdo del tiempo del espectador. El realismo, que llegó al retrato con la analogía del lugar y el tiempo representados, se condensó en el rostro, cuya autenticidad debía reconocer y, por tanto, certificar el espectador. No se trata de un simple rostro o de un rostro en sí, sino de un rostro vivo, un rostro con una edad determinada, un rostro dotado de expresión y mirada, captado en una situación vital que, en el retrato, reemplaza el papel del rostro como documento atemporal y primaba la puesta en escena frente a la fisonomía.

  En uno de los primeros retratos privados que se hicieron en los Países Bajos, Robert Campin probablemente representó al cortesano borgoñón Robert de Masmines, caído en la batalla de Bouvines en 1430. El retrato da sensación de antiguo por el pequeño formato y por limitarse al rostro. Con mayor fuerza nos atrae el realismo drástico, casi fotográfico de las facciones que, desde el punto de vista formal, parece salirse del angosto marco. El retrato es todo rostro y sólo rostro, un documento de la persona para el recuerdo de su familia. Esta función la confirman las dos versiones que se han conservado, casi idénticas (una en Berlín, Staatliche Museen, Gemäldegalerie, y otra en Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza) y pintadas con la misma perfección, que lo acreditan como un documento legado a sus descendientes y, por consiguiente, un documento de su persona.

Hans Belting en Faces, una historia del rostro. Akal / Estudios visuales. Madrid 2021

retratos pintados con acrílico

Pintura acrílica satinada, lápiz 8B y rotuladores escolares Giotto Turbo Maxi.

animales para noé

dibujando raíces

 

Si nos piden que dibujemos una planta o un árbol, seguramente que no representemos ni la mitad, solo su parte visible. Nos hacemos una idea lejana del intrincado laberinto de subdivisiones que pueden tener sus raíces, pero seguramente erremos respecto a su volumen, las proporciones entre ancho y profundo y su complejidad.

Durante cuarenta años Erwin Lichtenegger y Lore Kustchera, doctores profesores de la Universidad de Wageningen, colaboraron en un enorme atlas de raíces que mapea las trayectorias subterráneas de las plantas europeas comunes. Creados a través de una laboriosa fórmula de desenterrar y documentar los intrincados sistemas, estos dibujos son también auténticas obras arte, que honran la belleza de una parte de las plantas nunca vista.

Los sistemas de raíces permiten que las plantas recolecten el agua y los minerales que usan para crecer, escribe Blakemore en el Washington Post. A medida que el sistema de raíces crece, crea más y más vías que permiten que el agua ingrese al subsuelo profundo y fomenta el crecimiento de microbios que benefician a otras formas de vida. Los sistemas de raíces fuertes pueden prevenir la erosión, protegiendo la tierra en la que crecen. Y las estructuras permiten que el suelo capture carbono.

Puedes adentrarte en el archivo de dibujos de la Universidad de Wageningen AQUÍ.

Wageningen

TheWashingtonPost