terry riley y su música psicodélica

Cuando tomé peyote», relata Riley, «entonces realmente vi la sacralidad de la música».

Adoptando un enfoque conceptual de la composición, Terry Riley y sus contemporáneos, como Pauline Oliveros y Steve Reich, «utilizaron de diversas maneras el zumbido y la repetición automatizada para crear música a partir de unidades sonoras mínimas y extremadamente prolongadas. Las técnicas tecnificadas de extensión de la duración en esta escuela de composición “hipnótica” promovieron la conciencia de la presencia vibracional del sonido dentro del cuerpo y brindaron a los oyentes una exploración psicoacústica y sensorial. De hecho, se puede encontrar una equivalencia en la reseña que el etnomusicólogo Alain Danielou hizo de los experimentos de La Monte Young con frecuencias microtonales en un número de 1966 de Psychedelic Review, donde afirma que “ciertas relaciones de frecuencia en la música pueden producir “revelaciones cósmicas” que conducen a “efectos considerables en nuestra condición psicofisiológica”.
Compositores del siglo XX como Cage y Stockhausen inspiraron a Riley a alejarse de la instrumentación estándar y adoptar los recientes avances tecnológicos en cinta magnética para crear bucles, estirar y manipular artificialmente el tono, la sonoridad y la percepción audible del tiempo. De hecho, es el enfoque experimental y espaciotemporal de la composición musical lo que más tarde se convirtió en un sello distintivo intrínseco de la música psicodélica: piezas que se adentraron en los reinos de la forma no teleológica, superponiendo texturas y utilizando drones, repetición y transformación gradual. 

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