el primer móvil

    El 3 de abril de 1973, Martín Cooper directivo de Motorola realizó la primera llamada desde un teléfono móvil del proyecto DynaTAC 8000X desde una calle de Nueva York.​ precisamente a su mayor rival en el sector de telefonía: Joel Engel, de los Bell Labs de AT&T.
    El DynaTAC 8000X es presentado oficialmente en 1984, año en que se empezó a comercializar. El teléfono pesaba 1,1 kg y medía 33 x 4,5 x 8,9, era bastante grueso en comparación a los teléfonos de hoy en día. El primer teléfono móvil solamente ofrecía 30 minutos de conversación, además necesitaba 10 horas de carga para su correcto funcionamiento. La compañía lo lanzó al mercado el 13 de marzo de 1983, por un precio bastante elevado: 3.995 dólares.

    Aunque sus medidas y tecnología no eran muy funcionales, el usuario no necesitaba estar atado a un teléfono fijo para realizar una llamada. Un año después de su lanzamiento, cerca de 300.000 personas en el mundo poseían un DynaTAC 8000X.

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cómo construir un silbato

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saggar firing

                                                                                                                                                                                  En ocasiones, en la cerámica tenemos algunas ideas que consideramos como inmutables; por ejemplo, que en un horno eléctrico solo puedes trabajar en oxidación. Sin embargo, siempre hay trucos que pueden solucionar problemas o aportar nuevas ideas o técnicas de uso. La ceramista Jolanda van de Grint descubrió que podemos conseguir los resultados del Spit firing en el horno eléctrico metiendo la pieza rodeada de material combustible en una caceta o saggar. El saggar era una vasija cerámica cerrada que se utilizaba hace mucho tiempo en la cocción en horno de leña para protejer los esmaltes de las cenizas. Ella lo utiliza como método de calentamiento alternativo. Las piezas cocidas con galletas (sin esmaltar) se colocan en el horno junto con colorantes y materiales inflamables. Durante la cocción, los materiales se encienden y se crean colores en la obra. Así podemos conseguir efectos habitualmente asociados a humeantes cocciones o post-cocciones utilizando serrín, materia orgánica, elementos metálicos, óxidos y carbonatos. Esta ceramista ha investigado y experimentado durante años la forma de construir cacetas y entender los procesos y los resultados, las técnicas más indicadas, como las terras sigillatas o los bruñidos, o la forma en que realizar las cocciones.

Construcción de la caceta

  Sus ventajas son que no necesita un horno de gas ni un terreno; puedes hacerlo en el interior (no, no hay mucho humo); que siempre alcanzas la temperatura adecuada; que necesitas menos tintes y materiales inflamables, por lo que es más sostenible, especialmente si tienes un horno alimentado por paneles solares y que las posibilidades de éxito son mayores. El horno no se ahumará siempre que no usemos demasiados materiales inflamables en la caceta o haya aceite, pintura u otra contaminación sobre o dentro de los materiales que estaba quemando. Al quemarse en un espacio relativamente pequeño (el saggar), se necesita muy poco material inflamable. Además, hay que asegurarse de que todo esté completamente seco. Saldrá humo solo si hay demasiados materiales inflamables o el saggar era demasiado grande. Además,según su experiencia, no acorta la vida de las resistencias.

  Jolanda ha publicado un libro con sus experiencias, titulado Saggar firing, que puedes adquirir a través de su web, donde también puedes acceder a su curso on line.

    El ceramista Roberto Aiudi también experimentó con esta técnica. Él nos dice que las piezas destinadas al saggar también pueden realizarse con arcillas poco refractarias porque no estarán sometidas a cambios violentos de temperatura. Después de darle forma, el objeto se trata con arcilla porosa. Después de la primera cocción, se cubre con materiales aparentemente ajenos a la cerámica, como alambres de cobre, hojas y cloruros de diversos tipos, etc. todo estará cubierto con láminas de arcilla cruda y láminas de aluminio estilo cocina, estos elementos colorearán la superficie del producto durante la cocción.

webJolanda

InfoCerámica

Roberto Aiudi

los dos cerditos

Imágenes transferidas a placas de loza.

larvas fosilizadas

las tallas de madera de jesse aaron

Este modesto escultor nació y vivió en Florida de 1887 a 1979. Esculpía la madera sin ninguna pretensión en el jardín de su casa para exponerlas, como mucho, en una expo local al aire libre. En 1970, un galerista organizó una exposición en la Galería de la Universidad de Florida con el ánimo de hacer pública su obra. Asistieron varios cientos de personas. La galería abrió a la 1:00 p. m. y a las 2:30 p. m., la mayoría de las esculturas ya se habían vendido.

Jesse Aaron nació en Lake City, Florida, en 1887, en una familia negra con doce hijos. De niño, fue contratado como trabajador agrícola en una granja y su educación formal comenzó cuando tenía veintiún años y asistió a una escuela vocacional para convertirse en panadero. Más tarde trabajaría de cocinero y ebanista. 

Sus primeras tallas se realizaron en árboles que marcaban los límites de su propiedad; las caras se hacían más grandes a medida que los árboles crecían. Otros árboles cerca de su casa también tenían caras talladas que el artista creía que tenían un carácter protector. Según contó, una mañana, se despertó a las 3 de la tarde con la voz del Señor todavía resonando en sus oídos, diciendo: "Jesse, ¡talla madera!" Inmediatamente se levantó de la cama, fue a su pequeño taller y talló la primera de sus pequeñas esculturas de madera.

A medida que pasaban los días, siguió tallando pequeños objetos de cedro blando que le había proporcionado un vecino que vendía leña para encender el fuego. Finalmente, Aaron extendió el techo de su casa hasta la acera y cerró el espacio cubierto, creando una zona de exposición y una tienda para vender sus nuevas creaciones de madera. Puso dos carteles en esta nueva incorporación; en ellos se leía "Jesse J. Aaron, escultor" y "Museo Jesse J. Aaron". A partir de ese día, Jesse Aaron se encontraba allí generalmente, recibiendo clientes mientras estaba sentado en su resistente mecedora pintada de color lavanda. En su primer año como tallador, Jesse Aaron había vendido suficientes de sus piezas talladas para pagar la primera operación de la vista, y Lee Anna pronto volvió a su máquina de coser y a confeccionar colchas.

La técnica de Aaron implica una combinación de escultura de raíces y tallado con motosierra. La mayoría de los talladores de motosierra utilizan piezas de madera bastante estándar en su trabajo, mientras que la mayoría de los escultores de raíces buscan raíces que les sugieran forma y contenido. Aaron, por otro lado, buscaba madera que le sugiriera imágenes y, a través del tallado, las sacaba de la materia prima a la luz. Sus imágenes toscamente talladas a menudo contienen rostros muy expresivos que emergen de las formas germinales que conservan las configuraciones naturales del crecimiento.

Cuando el dolor artrítico le impidió buscar madera, contrató a estudiantes universitarios para que lo hicieran por él, pero se quejó al coleccionista William Arnett: Estos tipos no saben qué buscar. No pueden verlo. La mayoría de las veces, lo que me traen no puedo ver nada en él.

Hoy hay piezas suyas repartidas por museos y fundaciones.

SoulsGrownDeep

Florida revelada

JuddTully

muestras de texturas de craquelado cerámico

cabezas textiles de louise bourgeois

La artista prácticamente fue acunada en el trabajo con textiles: Sus padres vendían y restauraban esos tapices con elaborados motivos, y la joven Louise ayudaba en el negocio familiar desde muy joven. Para ella, el elogio de su trabajo significaba un reconocimiento que tenía que ganarse de su padre, a diferencia de su madre. El contraste entre los materiales, el metal duro y el tejido blando, expresa también las ambivalencias que atraviesan la obra de Bourgeois: la relación dividida con la gente que la rodea, la necesidad de separación y cercanía al mismo tiempo, pero también un examen de la connotación femenina del trabajo con los textiles.

Después de una carrera de siete décadas, solo alcanzó la fama en sus últimos años. En ellas, vuelve a sus raíces, trata el subconsciente y lo reprimido. Influida por su fascinación por el psicoanálisis, Bourgeois vuelve a sumergirse en los reinos más oscuros de su propia historia en la última fase de su vida, expresando en libros de tela lo que lleva dentro.

En sus obras, Bourgeois cose las heridas no cicatrizadas y las abre de nuevo; el proceso de reparación es fundamental en su arte. La curación forma parte de la vida, al igual que hacer visible el dolor. Los cuerpos heridos sugieren ruptura, los miembros cuelgan y yacen sueltos o ensamblados en el espacio. Algunas de las figuras de tela caminan con muletas, llevan prótesis, un par de cabezas vendadas se palpan con la punta de la lengua. Las costuras rugosas muestran las lesiones de los heridos como cicatrices, pero también hacen visible su proceso de curación.

"De niña lavaba y escurría los tapices en el río. Más tarde, soñé con la amante de mi padre. En mis sueños, le retorcería el cuello". Con todas las heridas y todos los temores de pérdida a los que uno se enfrenta, es difícil no olvidar que la propia Louise Bourgeois se ocupa principalmente de la restauración y también de la reparación y la reconciliación. "Vengo de una familia de reparadores. [...] Si golpeas una tela de araña, la araña no se enfada. Sigue tejiendo y reparando".

Remediar algo, pues, significa no solo hacer algo por los demás, aparecer exteriormente entero, íntegro o ileso, sino sobre todo hacer las paces con uno mismo. La vida como hilo que fluye entre las manos es tan figurativa en Bourgeois como en las míticas moiras, que controlaban el metafórico trayecto de la existencia de cada ser humano desde el nacimiento hasta la muerte, y aún después en el Hades.

A través del tratamiento manual de la tela, Louise Bourgeois reflexiona acerca de la sexualidad, el trauma, la memoria y la reparación . Representa figuras individuales, torsos y cabezas, cargadas de emociones, es emocionalmente poderosa.

La prolífica artista siempre creó sin miedo a la vulnerabilidad y la exposición . El arte siempre fue para ella una terapia psicológica , además de un medio de denuncia social. En estas obras supera traumas y el dolor de la infancia a través del uso de telas que guardaba de su niñez. Ropa vieja, toallas y ropa de cama . Son telas vinculadas con el cuerpo y la intimidada, asociadas a emociones profundas que ahora conforman una experiencia sensorial dentro de la galería.

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Vein:La niña tejida