Me gustaría algún día hacer una peregrinación a Clos-Saint-Pierre, pero solo porque los maravillosos dibujos del pintor japonés Chuta Kimura encantan tanto mi visión que no puedo apartar los ojos de ellos cuando los veo.
Kimura vio las pinturas de Bonnard en Japón y percibió Francia a través de la percepción que ese artista tenía de ella. Esto fue en 1941, y la experiencia definió la visión de un paisaje lejano que se convirtió en una pasión permanente, casi en el sentido de impronta que encontramos en la psicología animal. Kimura no quería nada más que estar allí, en medio de mimosa y buganvillas, morados, naranjas y verdes vegetales, los implacables azules de los cielos meridionales y los marrones tostados de las colinas libres. Los colores de sus pinturas son colores franceses, y los espacios son los de Bonnard, donde el paisaje parece estar verticalmente ante el espectador, como si se elevara para envolverlo.
Cuando, a principios de la década de 1950, Kimura supo consumar el deseo, de ver con sus ojos la aridez embriagadora y la exuberancia de la Provenza, se siente, como alguien obsesionado visualmente, y se quedó en Francia desde entonces. Sin embargo, es característico de su compleja relación con el paisaje que permaneció, se podría decir, absolutamente japonés, hasta el punto de no aprender nunca a hablar francés, por lo que vive rodeado de una burbuja de silencio. Esto le ha permitido conservar la frescura de percepción de un anhelante lejano que conoció la realidad primero a través de imágenes: vive en Francia como uno podría, imposible, participar en eventos de los que uno lee por primera vez en los libros. Finalmente, se dirige al paisaje con la energía manual disponible solo para alguien que lleva en sus reflejos estilos de esgrima y caligrafía que son arquetípicamente japoneses. Es una fusión de dos modalidades de percepción y gesto que conviven en un estado de tensión e incluso de conflicto.
No se puede restar ni el carácter francés de uno ni el carácter japonés del otro de los lienzos en los que luchan juntos y unos contra otros. Incluso su firma, el nombre japonés escrito en caracteres latinos, lleva esta doble energía: mirando su trabajo trazo y vuelvo sobre las letras hipnóticamente, como si estuviera observando los movimientos de alguien que es completamente familiar y, sin embargo, sigue siendo un misterio, y de quien uno no puede levantar los ojos.
Es como si el paisaje fuera un dragón dormido disfrazado de colinas y prados, como un lugar pacífico, pero que, con suficiente insistencia, revela su verdadero poder, disolviéndose en algo que se retuerce, azota y destella antes de volver a hundirse en colores y formas.
Cuando, a principios de la década de 1950, Kimura supo consumar el deseo, de ver con sus ojos la aridez embriagadora y la exuberancia de la Provenza, se siente, como alguien obsesionado visualmente, y se quedó en Francia desde entonces. Sin embargo, es característico de su compleja relación con el paisaje que permaneció, se podría decir, absolutamente japonés, hasta el punto de no aprender nunca a hablar francés, por lo que vive rodeado de una burbuja de silencio. Esto le ha permitido conservar la frescura de percepción de un anhelante lejano que conoció la realidad primero a través de imágenes: vive en Francia como uno podría, imposible, participar en eventos de los que uno lee por primera vez en los libros. Finalmente, se dirige al paisaje con la energía manual disponible solo para alguien que lleva en sus reflejos estilos de esgrima y caligrafía que son arquetípicamente japoneses. Es una fusión de dos modalidades de percepción y gesto que conviven en un estado de tensión e incluso de conflicto.
No se puede restar ni el carácter francés de uno ni el carácter japonés del otro de los lienzos en los que luchan juntos y unos contra otros. Incluso su firma, el nombre japonés escrito en caracteres latinos, lleva esta doble energía: mirando su trabajo trazo y vuelvo sobre las letras hipnóticamente, como si estuviera observando los movimientos de alguien que es completamente familiar y, sin embargo, sigue siendo un misterio, y de quien uno no puede levantar los ojos.
Debido a su agresividad gestual, debido a la fisicalidad del pigmento como lo usa Kimura, su trabajo será visto inevitablemente como un expresionista abstracto en inspiración. Pero no es ni abstracto ni expresionista. En todo caso, su trabajo es impresionista y se ve a sí mismo en la misma línea que Monet. Las pinturas responden al estímulo de lugares definidos, rincones de jardines o parques, calles, granjas, casas y sillas o bicicletas y cascadas de vegetación o hileras de árboles y sombras y nubes que debieron estar allí cuando hizo sus anotaciones. Pero la respuesta no es pasiva y retiniana, como se vio obligado a ser el impresionismo, insistiendo como lo hizo en la exactitud visual y utilizando las teorías del color y la fisiología óptica para suscribir sus efectos. La dualidad del realismo o el expresionismo casi define las opciones disponibles para un pintor occidental, que debe mostrar lo que hay allí, como una cámara, o expresar sus sentimientos sobre lo que está allí. Pero Kimura, creo, no tiene ninguna de las dos, y es su capacidad para ocupar una tercera posición, no intermedia entre estas, sino alternativa a ellas, lo que puede referirse a sus raíces japonesas. Es como si quisiera que el paisaje se expresara, quisiera que saliera a la superficie lo que no necesariamente ve a los ojos: una fuerza, una agitación, un cambio y un desenfreno, un espíritu que hay que provocar con alguna contraenergía. por parte del artista. no intermedio entre estos, sino alternativo a ellos, que puede referirse a sus raíces japonesas.
Es como si el paisaje fuera un dragón dormido disfrazado de colinas y prados, como un lugar pacífico, pero que, con suficiente insistencia, revela su verdadero poder, disolviéndose en algo que se retuerce, azota y destella antes de volver a hundirse en colores y formas.
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