 |
| Meredith Monk en 1998, por Jesse Frohm |
Su trabajo influyó en todos, desde David Byrne hasta Brian Eno y Björk, y le valió una nominación al Grammy y una Medalla de las Artes del expresidente estadounidense Barack Obama. Comenzó con esta técnica en los años sesenta, no fue fácil, por lo que pasó una década muy aislada, perfeccionando su oficio. “Mi experiencia en ese momento fue bastante solitaria”, explica. “Pero tal vez solo en el buen sentido de la palabra porque, mirando hacia atrás, estoy feliz de haber tenido soledad porque pude explorar lo que mi propia voz podía hacer y lo que tenía que decir. Hasta ese momento, había estado haciendo piezas complejas que incluían otras formas como el gesto y la imagen y todavía buscaba ese centro emocional para mi trabajo. Pero estos períodos de lo que yo llamo el desierto, eventualmente me di cuenta de que necesitaban ser nutridos. Tuve un período a finales de los 90 en el que pensé que nunca volvería a tener una idea nueva. Estaba bastante deprimida”.
Monk provenía de una familia de músicos (su madre y su abuelo eran cantantes) y parte de su tiempo de aislamiento también se dedicó a descubrir cuál era su posición artística dentro de ese patrimonio. “La música fue y es como un río en mi vida, la música es la fuerza motriz”. “Viniendo de la familia de un cantante, fue una sensación tan increíble, por un lado, volver a mi línea de sangre y, por otro lado, saber que había encontrado mi lugar a mi manera. Encontrar tu lugar en una familia como esa no siempre es fácil”.
Monk finalmente combinó sus expresiones vocales con movimiento e imagen, algo que también relaciona con su familia. Cuando era joven, Monk sufría de estrabismo, una afección que provocaba problemas de coordinación física. Su familia la envió a clases de 'Dalcroze Eurhythmics', un método desarrollado para ayudar a los niños a aprender música a través de sus cuerpos. Monk cree que esta es la razón por la que siempre vio la música "tan visualmente" y por la que finalmente creó actuaciones que agregaron más elementos visuales. “Me encantan las películas. Las películas me atrapan de un día para otro y si algo me inspira son las películas. Soy una verdadera cinéfila”, sonríe.
Quizás no sea una sorpresa que a los cineastas también les encante el trabajo de Monk, conectando con los elementos visuales y sonoros combinados en su trabajo. Cineastas tan variados como Terrence Malick, Jean-Luc Godard y los hermanos Coen han utilizado su música en sus películas. Se ríe al recordar que los hermanos Coen usaron su canción 'Walking Song' en The Big Lebowski como banda sonora de Maud Lebowski desnuda (interpretada por Julianne Moore), balanceándose sobre The Dude (Jeff Bridges) para arrojar pintura a un lienzo. “Pensé que era fantástico”, se ríe Monk. “Otra persona que usó mi música que amo fue Terrence Malick. Siento que usa la música de una manera tan hermosa. Creo que su estilo es más un collage”, dice, relacionándolo con su propio estilo de crear arte a partir de elementos dispares.
Muchas de sus transcripciones se asemejan a los gráficos sísmicos de voz utilizados por los fonéticos para ayudar a identificar patrones de voz. “Todavía me cuesta mucho con los puntajes. Simplemente siento que mi música existe entre las líneas de compás o justo debajo de las líneas de compás. Con mis cantantes, trabajamos visceralmente y, a veces, usamos partituras como recursos mnemotécnicos, pero básicamente trato de alejarme de los papeles lo más rápido que puedo porque creo que es un paso adicional en el que lo memorizas visualmente en lugar de cinéticamente. Pienso más en la tradición oral”.
 |
| Foto de Christine Alicino |
“Este vecindario en ese entonces era tan oscuro que nadie sabía dónde estaba, pero la ciudad tenía una cualidad vanguardista y creo que puedes escuchar eso en mi primer álbum, KEY . Reflejaba la vida en Nueva York en ese momento. Edwin Denby [crítico de danza y poeta que trabajó con Orson Welles] lo escuchó y dijo que esto es como la música folclórica de Manhattan".
Monk dice que Nueva York en ese momento también la ayudó a ser más audaz en un sentido multidisciplinario. “El mundo del Downtown era más experimental con artistas que exploraban diferentes medios. Los poetas hacían música, los artistas exploraban el movimiento y todos cruzaban el tablero de varias formas de arte. Creo que en cierto punto, la gente volvió a sus formas de arte originales pero con el conocimiento adicional de lo que habían encontrado en otros lugares. Fue una gran época de expansión. Me apoyó mucho la generación que me precedía, el grupo Fluxus, gente mayor que yo como Dick Higgins y Jackson Mac Low. Aunque vieron que mi forma de arte iba a ser muy diferente, vieron un espíritu afín, realmente tratando de unir todo. Eran intrépidos y eso fue inspirador”.
No hay comentarios:
Publicar un comentario