viernes, 30 de junio de 2023

mata hari





    Margaretha Geertruida Zelle (1876-1917), más conocida como Mata Hari, fue una famosa bailarina, cortesana y espía de los Países Bajos a la que especialmente el cine le ha dado una gran popularidad. Tras una vida desgraciada, triunfó en Europa con sus danzas brahmánicas y orientales e hizo labores de espionaje para franceses y alemanes en la Primera Guerra Mundial. Detenida por los franceses fue enjuiciada y condenada a muerte por espionaje y traición. Murió fusilada en la fortaleza de Vincennes.
    Fue víctima de su belleza y su vulnerabilidad en una sociedad machista. Después de la separación de su padre y muerte de su madre, su padrino la sacó de la escuela, pues el director filtreaba con ella. Se casó con casi 19 años con un capitán veinte años mayor que ella, cuya relación había sido por correspondencia. Se trasladó con su marido a Java, donde tuvo dos hijos, que más tarde fueron envenenados por el servicio en venganza al trato que les daba su marido. Éste se dio a la bebida y empezó a maltratarla, y ella, en su soledad, tuvo sus primeros contactos con la cultura javanesa, en especial con las danzas folclóricas balinesas y las técnicas amatorias orientales, que le proporcionaron años más tarde fama como cortesana de lujo.
    Ya en Europa, el matrimonio se separó legalmente. Hizo unos intentos como modelo desnuda para artistas para poder vivir y, posteriormente, decide hacerse pasar por princesa de Java, con el nombre de Mata Hari, que en malayo significa ojo del día, o sea: el sol. Debuta como bailarina exótica en el Museo Guimet de París, de ahí pasaría por el circo, salas de espectáculos y fiestas privadas. Viviría de la danza y el strip-tease hasta conseguir cierto renombre por su belleza y sus propias fotografías publicitarias, que sugerían desnudos que en realidad nunca realizó en su espectáculo que, realmente, más que exótico, era erótico. Tuvo muchos romances con militares, políticos y hombres de la alta sociedad.
    El Deuxième Bureau francés la forzó a espiar para Francia, si quería visitar a su amante, el piloto ruso Vadim Maslov, tras un accidente en que había perdido un ojo. Al aceptar, tuvo que seducir al hijo del Kaiser Guillermo II. Más tarde fue acusada de ser espía doble, pues podría haber ofrecido información a los alemanes para acercarse al Kaiser, y su inteligencia había enviado algún mensaje para que fuera interceptado insinuando que ella podría ser su agente H-21. En realidad solo había ofrecido chismes como carnaza.
    Fue arrestada en su habitación del Hotel Elysée Palace en los Campos Elíseos en París. En el jucio no se presentaron pruebas concluyentes y se le atacó por su falta de honestidad al llevar una vida llena de mentiras. La leyenda cuenta que se defendió diciendo que había sido una ramera, pero jamás una traidora. Su amante ruso no quiso testificar a su favor.
    Fue condenada a muerte y fusilada por un pelotón de doce soldados franceses. No quiso taparse los ojos y, desafiante, lanzó un beso a sus verdugos. Un suboficial le dio el tiro de gracia. Nadie reclamó su cuerpo, que se usó para estudios médicos. Su cabeza se embalsamó y guardó en el Museo de Anatomía de París. En el año 2000 se comprobó que había desaparecido, seguramente en la reubicación del museo en 1958.
    No sé si en el futuro se me recordará, pero si así fuera, que nadie me vea como a una víctima sino como a alguien que nunca dejó de luchar con valentía y pagó el precio que le tocó pagar, dijo Mata Hari sin saber que se convertiría en una leyenda, sinónimo de espía seductora y mujer fatal, de la que se harían novelas, musicales, películas y series de televisión.

Puede encontrarse mucho material gráfico sobre ella en la exposición Top secret, cine y espionaje hasta el 23 de octubre en el CaixaForum Madrid, de lunes a domingo de 10h a 20h. Es de esta expo de donde he recogido la mayoría de las fotos. Su foto de novia es del Fries Museum, que con otras dos salieron de National Geographic Historia.

jueves, 29 de junio de 2023

la voz experimental de meredith monk


Meredith Monk en 1998, por Jesse Frohm


Desde 1964, Meredith Monk ha estado creando y evolucionando su arte. Fue una pionera de lo que ahora se llama "técnica de voz extendida", pero cuando Monk comenzó a experimentar con su voz en los años sesenta, la práctica aún no tenía nombre. Implica el uso de su voz como un instrumento singular para la comunicación, haciendo música que suena tan primordial como futurista. Ella transmite sentimientos con dispositivos fonéticos como aullidos, jadeos, clics, trinos, susurros y cantos tirolés para crear emotivos paisajes sonoros que cuentan historias sin necesidad de palabras.

Su trabajo influyó en todos, desde David Byrne hasta Brian Eno y Björk, y le valió una nominación al Grammy y una Medalla de las Artes del expresidente estadounidense Barack Obama. Comenzó con esta técnica en los años sesenta, no fue fácil, por lo que pasó una década muy aislada, perfeccionando su oficio. “Mi experiencia en ese momento fue bastante solitaria”, explica.  “Pero tal vez solo en el buen sentido de la palabra porque, mirando hacia atrás, estoy feliz de haber tenido soledad porque pude explorar lo que mi propia voz podía hacer y lo que tenía que decir. Hasta ese momento, había estado haciendo piezas complejas que incluían otras formas como el gesto y la imagen y todavía buscaba ese centro emocional para mi trabajo. Pero estos períodos de lo que yo llamo el desierto, eventualmente me di cuenta de que necesitaban ser nutridos. Tuve un período a finales de los 90 en el que pensé que nunca volvería a tener una idea nueva. Estaba bastante deprimida”.

Monk provenía de una familia de músicos (su madre y su abuelo eran cantantes) y parte de su tiempo de aislamiento también se dedicó a descubrir cuál era su posición artística dentro de ese patrimonio. “La música fue y es como un río en mi vida, la música es la fuerza motriz”. “Viniendo de la familia de un cantante, fue una sensación tan increíble, por un lado, volver a mi línea de sangre y, por otro lado, saber que había encontrado mi lugar a mi manera. Encontrar tu lugar en una familia como esa no siempre es fácil”.

Monk finalmente combinó sus expresiones vocales con movimiento e imagen, algo que también relaciona con su familia. Cuando era joven, Monk sufría de estrabismo, una afección que provocaba problemas de coordinación física. Su familia la envió a clases de 'Dalcroze Eurhythmics', un método desarrollado para ayudar a los niños a aprender música a través de sus cuerpos. Monk cree que esta es la razón por la que siempre vio la música "tan visualmente" y por la que finalmente creó actuaciones que agregaron más elementos visuales. “Me encantan las películas. Las películas me atrapan de un día para otro y si algo me inspira son las películas. Soy una verdadera cinéfila”, sonríe.

Quizás no sea una sorpresa que a los cineastas también les encante el trabajo de Monk, conectando con los elementos visuales y sonoros combinados en su trabajo. Cineastas tan variados como Terrence Malick, Jean-Luc Godard y los hermanos Coen han utilizado su música en sus películas. Se ríe al recordar que los hermanos Coen usaron su canción 'Walking Song' en The Big Lebowski como banda sonora de Maud Lebowski desnuda (interpretada por Julianne Moore), balanceándose sobre The Dude (Jeff Bridges) para arrojar pintura a un lienzo. “Pensé que era fantástico”, se ríe Monk. “Otra persona que usó mi música que amo fue Terrence Malick. Siento que usa la música de una manera tan hermosa. Creo que su estilo es más un collage”, dice, relacionándolo con su propio estilo de crear arte a partir de elementos dispares.

Muchas de sus transcripciones se asemejan a los gráficos sísmicos de voz utilizados por los fonéticos para ayudar a identificar patrones de voz. “Todavía me cuesta mucho con los puntajes. Simplemente siento que mi música existe entre las líneas de compás o justo debajo de las líneas de compás. Con mis cantantes, trabajamos visceralmente y, a veces, usamos partituras como recursos mnemotécnicos, pero básicamente trato de alejarme de los papeles lo más rápido que puedo porque creo que es un paso adicional en el que lo memorizas visualmente en lugar de cinéticamente. Pienso más en la tradición oral”.
Foto de Christine Alicino

Esa tradición oral puede provenir de la exposición temprana de Monk a Dalcroze, o de la música folclórica a la que gravitó durante su tiempo en Sarah Lawrence College. Al regresar a Nueva York en 1964, con 22 años, se encontró con un estado de ánimo más valiente y experimental, que se infiltró en su trabajo. "Fue un momento maravilloso para mudarme a Nueva York", dice Monk, recordando su tiempo en "un pequeño ático pequeño" en West Village y luego en Great Jones Street, que era "bastante difícil en esos días", recuerda. . “Me encantaba el loft de allí, pero era como La Bohème con seis tramos de escaleras desvencijadas. Una chispa y todo el lugar se habría ido”. Le robaron varias veces. “Llegaba a casa y mi aspiradora se había ido un día, ¡otra cosa al día siguiente!” Después de cansarse de cargar su órgano eléctrico y amplificador por seis tramos de escaleras todos los días, y de que le robaran, se mudó a su departamento actual, Tribeca, en 1972. Era muy diferente al centro cosmopolita que es ahora.

“Este vecindario en ese entonces era tan oscuro que nadie sabía dónde estaba, pero la ciudad tenía una cualidad vanguardista y creo que puedes escuchar eso en mi primer álbum, KEY . Reflejaba la vida en Nueva York en ese momento. Edwin Denby [crítico de danza y poeta que trabajó con Orson Welles] lo escuchó y dijo que esto es como la música folclórica de Manhattan".

Monk dice que Nueva York en ese momento también la ayudó a ser más audaz en un sentido multidisciplinario. “El mundo del Downtown era más experimental con artistas que exploraban diferentes medios. Los poetas hacían música, los artistas exploraban el movimiento y todos cruzaban el tablero de varias formas de arte. Creo que en cierto punto, la gente volvió a sus formas de arte originales pero con el conocimiento adicional de lo que habían encontrado en otros lugares. Fue una gran época de expansión. Me apoyó mucho la generación que me precedía, el grupo Fluxus, gente mayor que yo como Dick Higgins y Jackson Mac Low. Aunque vieron que mi forma de arte iba a ser muy diferente, vieron un espíritu afín, realmente tratando de unir todo. Eran intrépidos y eso fue inspirador”.

martes, 27 de junio de 2023

lunes, 26 de junio de 2023

fertilidad

    Cantaré a la Tierra, madre de todas las cosas, bien cimentada, antiquísima, que nutre sobre la tierra todos los seres que existen […] De ti proceden los hombres que tienen muchos hijos y abundantes frutos, a ti te corresponde dar y quitar la vida a los mortales hombres […] Para hombres tales la fértil tierra se carga de frutos, en el campo abunda el ganado, y la casa se les llena de bienes; ellos reinan, con leyes justas, en ciudades de hermosas mujeres, y una gran felicidad y riqueza los acompaña […] Salve, madre de los dioses, esposa del estrellado Cielo. 
Himno homérico a Gea

    Y la blonda Deméter se estableció en él y allí se quedó, lejos de los bienaventurados todos, carcomiéndose de la soledad que sentía por su hija, la de profunda cintura. E hizo que sobre la fértil tierra fuese aquel año muy terrible y cruel para los hombres; y el suelo no produjo ninguna semilla, pues las escondía Deméter, la de bella corona. Y hubiera perecido por completo el linaje de los hombres dotados de palabra a causa del hambre feroz, privándose a los que poseen olímpicas moradas del honor de las ofrendas y de los sacrificios, si Zeus no lo hubiese notado y considerado en su ánimo. [...] 
    Así dijo; y no desobedeció Deméter, la de bella corona, que enseguida hizo salir fruto de los fértiles campos. Toda la ancha tierra se cargó de hojas y flores. 
Himno homérico a Deméter 


domingo, 25 de junio de 2023

las esculturas de walter deliotti









                                                                                        Estudió pintura con Alceu Ribeiro (discípulo del Maestro Torres García) desde 1948 hasta 1952; ingresó luego al Taller Torres García en 1954 donde comenzó a estudiar y trabajar con Julio Alpuy y más tarde con Augusto Torres. A partir de entonces trabaja activamente en su obra de estilo constructivo y participa desde la 99ª Exposición del Taller Torres García realizada en la Comisión Nacional de Bellas Artes, en todas las muestras del mismo. Entre el año 1959 y el año 1961, viaja a Europa gracias a un proyecto financiado por el Municipio de Montevideo, visitando España, Francia e Italia, donde trabaja, estudia y frecuenta los principales museos de dichos países durante varios meses. En 1980 viaja a Estados Unidos, visitando Washington, Filadelfia y Nueva York, donde realiza un cursillo de grabado. Entre 1994 y 2007 vuelve varias veces a Europa. Durante esos viajes, Deliotti realiza exposiciones individuales de importancia crucial en su trayectoria y obtiene éxitos de crítica y gran aceptación por parte de coleccionistas nacionales e internacionales. En el año 2004, en Montevideo (Uruguay), se realiza una muestra homenaje a los cincuenta años de su ingreso al Taller Torres y Escuela del Sur. A lo largo de su trayectoria obtiene importantes premios y reconocimientos. Entre los años 1956 y 2007, realiza más de un centenar de exposiciones colectivas en Uruguay y en el exterior (en la Galería Detrusa de Madrid, desde el 21 de setiembre del año 2000 hasta el 20 de octubre del mismo año). En 2008 está participó de una muestra colectiva de madera en Gtlart Gallery de Punta del Este (Maldonado, Uruguay) y en 2014 el Museo Nacional de Artes Visuales - MNAV (Montevideo, Uruguay) le organizó la muestra individual "Sentir, pensar, hacer". 

Es uno de los pocos artistas en actividad que integró el legendario Taller Torres García desde la década del cincuenta y participó en todas sus exposiciones desde 1956, incluyendo en 1961, la primera muestra del Taller Torres García en Nueva York. Puertos, calles, bodegones, ciudades, paisajes metafóricos, parejas y la vida del hombre moderno componen su universo temático. Dibujos, pinturas, collages, cerámicas, y maderas esculturadas constituyen su capital expresivo. Ha permanecido fiel al magisterio de Torres, con resoluciones plásticas propias. El rigor compositivo y la mano de dibujante seguro, despuntan entre sus cualidades más visibles. La concepción y representación del tiempo como duración, admiten una reflexión sobre su vigencia. En 2013 concretó la ejecución de su primera pintura mural, ubicada en el Hall del Banco Central del Uruguay. -Sonia Bandrymer

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sábado, 24 de junio de 2023

ataifores de hojas


El ataifor es el típico plato hondo de la vajilla andalusí. Usando la técnica nazarí, decoramos con óxidos de carbonato de cobre, para el verde, y de manganeso, para el negro-morado, sobre cubierta (es decir, que pintamos con pincel sobre el esmalte en crudo aplicado sobre el barro bizcochado). El cobre es muy volátil, por lo que ellos lo usaban dentro de un contorno de manganeso que lo contenía. Yo mezclo el carbonato de cobre disuelto en agua con el óxido de manganeso, éste en menor cantidad, para que volatice pero no tanto. Éstas son algunas pruebas con el mismo tema para soltarme con el pincel. Como puede verse, donde más volatiza es en la parte más profunda del ataifor.

jueves, 22 de junio de 2023

muestras de sigillata


Podemos decir que no hemos sido demasiado rigurosos en la extracción de la capa media de la decantación, la que nos interesa, entre el agua destilada y la capa con el material más pesado, dada su dificultad. En mi caso, mi interés se centraba fundamentalmente el tierra roja de Bolaños que llaman rubial, muy cargada de óxido de hierro. Sólo hemos extraído el agua destilada y hemos lamido con cuidado y paletina la capa superior para usar sólo esa. Aquí pueden verse dos muestras contiguas: una con la disolución más fina y otra más pesada, que he llamado capa fondo. En general, han funcionado bien las ya hechas de otro año de Ana Soria, y la Ana Soria nueva, nuevamente tamizada. También el barro rojo en polvo de Marphil y, con un color mucho más claro y amarillento, la llamada loza barroca. Yo me decido por la capa fina de rubial para sigillatar una cantimplora romana.



S I G I L L A T A
A la izquierda dos placas de barro rojo con relieves directos con sellos o con el mismo barro adherido directamente de moldes con agua o barbotina muy líquida. Ya bruñidas las superficies, se le aplica una capa de solución de agua destilada con polvo de barro rojo (de Marphil) que antes se ha decantado y se ha recogido con un macarrón, absorbido con una jeringa, el barro decantado de la parte superior, entre el agua y los posos más pesados. Esta primera capa se ha bruñido de nuevo y, después, se ha aplicado otra nueva capa, también bruñida, y una tercera capa bruñida. Éste es el resultado después de cocidas a baja temperatura (no más de 950ºC, para que no pierda el brillo).

miércoles, 21 de junio de 2023

paloma nazarí

Aerófono nazarí con forma de paloma. Decorada con carbonato de cobre y óxido de manganeso sobre cubierta. Silba soplando en un orificio que tiene en la cola, que puede modularse tapando o no dos orificios que tiene junto a las alas.

martes, 20 de junio de 2023

lucerna sigillatada






La lucerna es una lámpara pequeña y fácilmente transportable de barro o piedra  que los antiguos romanos usaron frecuentemente como luz artificial. Aunque se usa desde la prehistoria, su producción y uso masivo se da durante el imperio, ya que se hacían con moldes y eran fácilmente asequibles, llegando incluso a coleccionarse. La mayoría tenían asa o Ansa para llevar de un sitio a otro. Al depósito de combustible se le denomina Infundibulum. Discus a la cubierta del mismo, que solía tener forma cóncava para permitir un mejor llenado del aceite, que era su combustible, y estaba generalmente decorado. Rostrum era la extensión del Infundibulum hacia adelante para colocar la mecha o Ellychnium. Esta mecha se encendía o apagaba, y se mantenía la llama gracias a que estaba inmersa, y por tanto siempre húmeda, en el aceite. Es el precedente del candil.
Ésta está fabricada en barro rojo, luego bruñido, con tres capas de sigillata (el mismo barro en polvo decantado en agua destilada), también bruñidas, y cocido a 900ºC.

lunes, 19 de junio de 2023

en la cola de la itv de daimiel


No tengo cita y he de esperar un buen rato. Dibujando se pasa rápido.

domingo, 18 de junio de 2023

milo ke mandarini



Los toledanos Isabel Martín  y Carlos Ramírez componen este dúo que ha recogido muchas canciones populares del folclore de las culturas bañadas por el Mediterráneo (especialmente las sefardíes) que remozan nuestra cultura infantil. Llevan trabajando desde 2008 en la investigación y difusión de las músicas de raíz mediterráneas. Grecia, Bulgaria y Turquía han sido algunos de sus destinos, lo que les ha permitido empaparse cultural y musicalmente in situ y volver siempre con una nueva mirada al estudio de la tradición ibérica. Isabel canta y toca gran variedad de panderos y Carlos toca esos extraños instrumentos del área mediterránea que nos vienen del pasado. No sólo los toca, también los construye. Puedes comprarlos en su web ramirezinstrumets.com. Ambos, además, hacen pedagogía explicando los orígenes y significado de sus canciones. Ellos continúan una tradición oral que se va perdiendo en este nuevo mundo.
Gracias pues.

sábado, 17 de junio de 2023

los hermanos quique e isa en el bar




Mientras Miguel me hornea un poco más el pan, me tomo una caña en el bar. A ellos no les molesta que los dibuje. Isa me dice que ella también lo hace. Tiene los ojos azules, y su hermano uno de cada color. Mi padre los tenía verde botella, me dice, ninguno de la familia los tiene igual a otro. Mientras beben unas cervezas, piensan donde verterán un pequeño resto de cenizas que quedan de su madre. Ella amaba Lavapiés, las llevaremos a La Corrala.

viernes, 16 de junio de 2023

jueves, 15 de junio de 2023

carlos muñoz de pablos en el ateneo






Te tienen que enseñar a ver para poder hacer. Hay que extraer de la vida lo que es enjundioso.

El vidrio flotado es una frontera de tres milímetros de espesor. Nos separa del frío y la intemperie, hace acogedora la estancia a la vez que la ilumina. Ésta ha sido siempre la función del vidrio en la arquitectura.

En la Edad media se unían trozos de vidrio con plomo. Hoy ya no es necesario, pues se pueden fabricar de cualquier tamaño. Ahora sólo se hace por estética. La vidriera tiene una luz dorsal, coloreando el espacio. Esa luz coloreada que envuelve no la tiene ningún cuadro, ningún mural.

El vidrio es un elemento muy duro. Sólo podemos cortarlo con unas tijeras a 1300º. En frío no se corta, se parte.

Los artistas dictadores son los conceptuales, pues son teóricos que pierden el diálogo con la materia. Hay que respetarla y hablar con ella. La obra me interesa como un camino recorrido. No me interesa por la codicia, sino por el diálogo respetuoso con la materia. El arte está ahí fuera, en la Naturaleza. Nosotros lo reconocemos. La Naturaleza habla a través de nosotros.

 El sonido y la luz son espaciales e intangibles. La luz existe, el sol tiene sus leyes, yo sólo apantallo la luz donde quiero, juego con las sombras. La luz y la sombra se necesitan. Cuando dibujaba a mis alumnos en la pizarra con una tiza, les decía que la pizarra era la sombra y en mi mano tenía la luz. Soy un hacedor de sombras.

Dicen que Sorolla dominaba la luz, pero sus blancos era de zinc o de plomo, aún no se había descubierto el óxido de titanio, el blanco más blanco. El milagro es conseguir esa idea de la luz con esos pobres medios.

El Racionalismo nos dice que no hay materiales nobles e innobles, sólo los pensamientos de los humanos son de un tipo u otro. La mejor vidriera racionalista está en el patio del reloj del Banco de España.

Uno de los elementos que más distinguían el diseño de la madrileña Facultad de Filosofía y Letras en la Ciudad Universitaria, según lo concibió Agustín Aguirre, era la inmensa vidriera de estilo Art Decó en el vestíbulo principal, cuyo programa iconográfico -una alegoría de las Humanidades- se inspiraba en las disciplinas que se estudiaban en el edificio. Destruida durante la Guerra Civil, se prescindió de ella por razones económicas en la reconstrucción, una vez terminada la contienda. Su reconstrucción se hizo a partir de las fotos en blanco y negro. Yo añadí los colores amarillos para darle contemporaneidad. El vidrio estaba impreso con unos rodillos industriales, en caliente.

La arquitectura de este espacio (la facultad) se basa en un racionalismo con influencias sobre todo alemanas (escuela de Bauhaus, Walter Gropius y Mies Van der Rohe), pero dando una enorme importancia a la decoración. No en vano Agustín Aguirre era discípulo del magnífico arquitecto ecléctico Antonio Palacios, responsable de algunos de los edificios más importantes de Madrid y que trabajaba con un extenso grupo de artistas y artesanos (...) Entre ellos destaca en especial la antigua casa Maumejean de Madrid, donde se dibujan y elaboran la mayor parte de las vidrieras de este periodo en España. En este contexto histórico se sitúa la vidriera de la facultad, bello ejemplo del desarrollo plástico del lenguaje vidriero, en perfecta sintonía con los movimientos artísticos de la vanguardia europea. 

Apuntes recogidos en el Ateneo
elAdelantado

miércoles, 14 de junio de 2023

picassos íntimos


Es extraño descansar en la oscuridad vigilado por personajes de Picasso. Las obras son divertidas, gamberras. Tan divertimentos que nos extraña esta forma de resaltarlas como elaboradas obras maestras. Pensamos si la vida sólo es un juego azaroso en que nuestras más ocultas imágenes se ponen a pintar. Y se iluminan como estrellas en la noche.

Picasso: Sin título es una exposición en La Casa Encendida, comisariada por Eva Franch i Gilabert, que presenta 50 obras del último periodo de Picasso (1963-1973) sobre las que 50 artistas contemporáneos proponen nuevas lecturas, en el marco de las celebraciones del cincuentenario de la muerte de Pablo Picasso. Está organizada con el apoyo de la Comisión Nacional para la Conmemoración del Cincuentenario de la muerte del artista español Pablo Picasso.